Articoli di arte e educazione. Approcci moderni all'educazione attraverso l'art. Formazione applicata e DPI

Tutte le scuole d'arte in Russia possono essere divise in due categorie. Primo, secondario e superiore educazione pubblica, fornendo abilità di disegno realistiche (ad esempio, l'Istituto Surikov) o relative alle arti applicate (ad esempio, l'ex scuola Stroganov). In secondo luogo, il cosiddetto "post istruzione superiore”- scuole in cui l'arte contemporanea viene approfondita, ma non rilascia necessariamente un diploma formale. Ora ce ne sono due principali: la School of the Institute of Contemporary Art Problems dell'IPSI e la Rodchenko Moscow School of Photography and Multimedia, che verranno discusse di seguito. La qualità dell'istruzione ricevuta in una di queste istituzioni dipende in gran parte dallo studente stesso e dalla chiarezza del suo obiettivo.

L'insegnamento dell'arte contemporanea comprende un elemento di autoeducazione. In alcuni luoghi si tengono di tanto in tanto lezioni e c'è una buona biblioteca, che, in generale, è un punto chiave, ad esempio all'Istituto Pro Arte di San Pietroburgo. Anatoly Osmolovsky ha tenuto un corso di lezioni presso la Fabbrica, ma attualmente non sta leggendo. Tuttavia, nessuna lezione annulla le lezioni pratiche.

Università statali: il mestiere è sconosciuto per cosa

Sottolineo subito che, parlando di istituzioni statali, le considero non dal punto di vista dell'opportunità di approfondire la professione (nel teatro, cinema, design, animazione, ecc.), ma solo dal punto di vedere se è possibile imparare dall'apprendimento in esse è qualcosa di utile per coloro che hanno deciso di cimentarsi nell'arte contemporanea vera, e non nelle pratiche applicate, - grosso modo, "andare in biennale". Inoltre, non tiene conto delle istituzioni educative che, nella loro ideologia, sono opposte all'arte contemporanea e da cui non escono mai fotogrammi "che cadono nella biennale" (ad esempio, la Scuola degli acquerelli di Sergey Andriyaka, l'Accademia di Ilya Glazunov e simili scuole reazionarie).

In tutto università statali c'è adesione alle tradizioni e mancanza di adattamento alla situazione moderna. Specialisti in disegno industriale si laureano (in assenza di industria), maestri di grafica libraria (sebbene nel mercato librario ora sia preferibile non essere maestri, ma beni di consumo), viene loro insegnato a disegnare ritratti commerciali dal vero (sebbene il tecnica di stampa di foto su tela è diventata da tempo più popolare tra i consumatori di tali prodotti) ... Il diploma, che viene rilasciato alla fine e al quale i candidati aspirano per inerzia, non gioca quasi alcun ruolo nell'impiego successivo. E ancora di più, un diploma non convincerà un curatore, un gallerista o un collezionista se non ci sono opere convincenti. Per non parlare dello spettatore, che potrebbe essere interessato alla biografia dell'artista solo se gli è piaciuto davvero il suo lavoro. A proposito, anche l'addestramento non sempre salva dall'esercito, a causa della mancanza di dipartimenti militari in molti istituti d'arte, e i giovani fanno scorta in anticipo dei relativi certificati sanitari. Va anche tenuto presente che è molto difficile entrare nelle università d'arte tradizionali, è richiesta una buona formazione nel disegno classico, per molti questo processo richiede diversi anni, il che rende particolarmente acuta la questione dell'esercito.

Ciò che l'istruzione tradizionale offre davvero è la conoscenza pratica (come creare qualcosa con le tue mani) e la capacità di vedere - un'idea di proporzioni, composizione, colore. Oltre alla conoscenza della storia dell'arte, ma solo classica, fino a circa l'inizio del Novecento. La storia dell'arte contemporanea non è inclusa nei programmi di queste istituzioni. Nel migliore dei casi, puoi imparare qualcosa su di lui in una conversazione privata con un professore progressista, nel peggiore dei casi sentirai che Kabakov ha esibito "merda su un vassoio", che non è soggetto ad analisi di storia dell'arte.

Scuole d'arte contemporanea: conoscenze di prima mano esclusive

Il secondo tipo di istituto scolastico, quello post-universitario, fornisce conoscenze sulla storia, la teoria e la pratica dell'arte contemporanea. Una grande quantità di nuove informazioni viene fornita in un breve periodo di tempo, in un anno o due. E questa conoscenza è unica: non ci sono libri di testo sull'arte contemporanea, tutt'altro che tutti i libri necessari per la comprensione sono stati tradotti in russo e conoscenza importante può essere ottenuto solo in prima persona - nelle masterclass di filosofi e storici dell'arte, artisti russi e occidentali. La possibilità di un dialogo stretto con chi fa arte contemporanea è l'esatto opposto della rigida gerarchia in cui si trova istituzioni pubbliche, dove spesso il professore percepisce il successo dello studente come un desiderio sfacciato di mettersi "davanti al padre all'inferno" e in ogni modo ostacola il suo progresso. Nelle università statali il futuro è incerto, ma nelle scuole d'arte contemporanea puoi incontrare chi ha successo in questo campo, ottenere il loro sostegno, capire le prospettive in generale e pensare alle tue. Gli insegnanti non appartengono a nessuna direzione, quindi, dalle conversazioni con loro, da punti di vista completamente diversi, puoi ottenere un'immagine più o meno oggettiva ulteriori sviluppi stessi, per determinare gli "antenati" e gli "avversari". Qui non si impegnano nella vecchia lotta delle tecnologie e delle battute su come distinguere gli studenti da una facoltà dall'altra ("i grafici leggono un libro a se stessi, i pittori ad alta voce nelle sillabe e gli scultori accartocciano un libro tra le mani senza aprirlo") , ma risolvono un problema serio: determinare il loro posto nel campo ideologico. E la padronanza di una specifica tecnica non è molto significativa, e l'esistenza stessa nell'ambiente dell'arte contemporanea è polivalente. IPSI mira, come si legge sul loro sito web, "non solo a formare artisti contemporanei, ma anche a creare un ambiente artistico professionale in grado di riprodurre e realizzare progetti artistici in autonomia", producendo anche critici e curatori.

Questa capacità degli studenti di porsi una varietà di compiti porta alla capacità di auto-organizzazione, che è essenziale per la libertà creativa e l'indipendenza dalle istituzioni. Così, i diplomati degli ultimi corsi dell'IPSI si sono riuniti in uno squat in stile moderno e hanno creato il proprio spazio nella tipografia Original, che era allo stesso tempo un laboratorio comune, un club di discussione e una sala espositiva. Oltre agli ex compagni di studio, hanno attratto nuovi giovani artisti e hanno potuto assumere la funzione di socializzare nuovi partecipanti al processo artistico, che di solito appartiene alle istituzioni.

Alla Rodchenko School si insegna la tecnologia, il che è un grande vantaggio, ma non è nemmeno un vincolo. Uno degli insegnanti, Kirill Preobrazhensky, professa un'ideologia punk fallo da solo e ritiene che non ci siano problemi fatali associati alla tecnologia. Questi tipi di problemi sono importanti per creare artefatti, ma non per comprenderli. Tuttavia, essendo un professionista, crede che sia necessario avere un'idea sulle tecnologie - metodologica. È questo approccio alla tecnologia che garantisce l'indipendenza da esse: avere un'idea, per non essere “paranoici” che l'artista non possa fare qualcosa.

Nonostante tutta la progressività delle scuole di specializzazione d'arte contemporanea, esse non possono sempre essere una vera e propria e unica educazione. Le discipline di base dell'istruzione generale non vengono insegnate qui. Pertanto, è ancora auspicabile un'istruzione superiore ottenuta prima o contemporaneamente a tale scuola - non solo per compensare le materie escluse dal loro programma concentrato, ma anche affinché lo studente abbia una certa esperienza di un approccio fondamentale allo studio della vita, una conoscenza speciale che potrebbe costituire la base del suo lavoro in arte contemporanea. E non deve essere un'educazione artistica classica - per esempio, l'educazione di un fisico o di un filosofo può dar luogo a una figura dell'arte del tutto originale.

Hai bisogno di studiare?

Quindi, il programma ottimale è l'istruzione sequenziale o parallela in un'università tradizionale e una scuola d'arte contemporanea. Senza abilità pratiche, è difficile incarnare adeguatamente i tuoi pensieri: la storia di un'idea può essere eccitante, ma la sua attuazione in una mostra può essere patetica. E senza la capacità di analizzare ciò che è stato fatto, in cui incorporare il tuo lavoro sistema comuneè impossibile andare avanti in modo significativo.

Se guardi alle biografie di giovani artisti che sono diventati figure di spicco della scena artistica negli anni 2000, molti di loro hanno combinato due tipi di istruzione, uno dei quali era l'arte tradizionale (nonostante il fatto che la generazione precedente - artisti degli anni '90 - molto spesso non ho studiato da nessuna parte, tranne forse direttamente da qualche artista senior). Si può presumere che la ragione di ciò fossero le esigenze del mercato emergente e la necessità di creare una "cosa" di qualità, ma probabilmente ci sono ragioni più profonde per questo.

Victor Alimpiev si diplomò alla facoltà di pedagogia della Scuola d'Arte in memoria del 1905 (ora un'istituzione educativa in decadimento) e poi all'Istituto per i problemi di arte contemporanea. Crede che il conservatorismo dell'istruzione tradizionale sia anche una cosa positiva in qualche modo: "Non puoi mostrare nessuna foto prima di una certa età, è dannoso. Quando ai bambini vengono mostrate varie immagini, unendole sotto titoli come “ritratto”: ecco Tiziano, poi c'erano tali ritratti, ma Warhol, anche lui ritratto, questo è sorprendentemente sbagliato, priva di magnetismo sia Warhol che Tiziano. È impossibile dimostrare che il mondo è così grande, vario, tutto esiste, come i "cento fiori" cinesi. Resistere al modernismo in un primo momento, essere in opposizione, è anche una cosa stimolante. Maggiore è l'impressione quando poi si legge la teoria dell'arte contemporanea. Devi prima essere in grado di costruire una cosa squisita e valutarla, per poi distruggerla.

Boris Groys, nel suo intervento al convegno virtuale "Art and Education" parla anche della necessità dell'Accademia per l'arte contemporanea: "La storia del modernismo è una lotta contro scuole. L'Accademia è necessaria, anche in senso negativo: per protestare contro la tradizione bisogna conoscerla. Inoltre, ora l'arte si sta fondendo nella cultura popolare e l'educazione aiuta a prendere le distanze da essa. L'educazione è storicizzazione, contestualizza qualsiasi fenomeno, che aiuta gli studenti a leggere le scuse come una critica”. È vero, le nostre "accademia" mancano di ciò che Groys insegna ai suoi studenti d'arte: "judo discorsivo: la capacità di difendere il proprio lavoro in un ricco spazio discorsivo, di argomentare a favore del proprio lavoro". Questo si insegna solo nelle scuole d'arte contemporanea, e solo attraverso di esse si può rendersi conto che l'Accademia è in realtà un contesto per nuove affermazioni, e non un testo che ha bisogno di essere appreso e ripetuto.

A volte è possibile ottenere una comprensione dell'istruzione accademica come contesto anche all'interno di un'università tradizionale. All'Istituto Surikov, Aidan Salakhova combatte per la maestria classica nell'ambito del programma, al di fuori del programma - per il moderno pensiero visivo: "I ragazzi vengono preparati male - ci vuole tutto il tempo per correggere braccia e gambe nel disegno, per l'anatomia. Non c'è quasi più tempo per la composizione. Sto cercando di agire come un divieto. Non considero una composizione i seguenti temi: una coppia è seduta alla finestra con un gatto, le nonne sono sedute vicino alla chiesa, le persone sono sedute nella metropolitana. Tali composizioni sono state realizzate da quando esiste la metropolitana e le persone sono state sedute alla finestra. Sono costretti a cercare qualcosa di nuovo. Tuttavia, vengono fuori dei cliché e devi impegnarti in psicoterapia - per scoprire insieme all'autore di cosa si tratta veramente, con cosa problema interno risuona il cliché emergente e come risolvere il problema in modo diverso. Aiuta gli studenti a completare il compito di completare il tema della loro composizione in forma tridimensionale. Come fare lo stesso, ma senza persone? A 3D cominciano involontariamente a pensare e, infatti, senza saperlo essi stessi, realizzano un oggetto o un'installazione. Gli do una videocamera, fanno video. Abbiamo individuato la composizione in una lezione a parte, vengono con me qui, al Winzavod, per separarli psicologicamente dall'istituto, in modo che possano parlarmi qui, guardare mostre; Gli mostro il negozio. Quello che gli studenti di Aidan fanno in composizione è sorprendente per gli altri professori, ma non hanno nulla di cui lamentarsi: la pittura e il disegno sono ai massimi livelli e la composizione è una materia alquanto facoltativa per il sistema dell'istituto. Il guaio è che Salakhova insegna solo al primo e al secondo anno. Un'ulteriore distribuzione può gettare lo studente in un laboratorio retrogrado, dove verrà riqualificato in francobolli. Tuttavia, Aidan continua a preoccuparsi del futuro dei suoi studenti al di fuori dell'istituto: nel 2008 ha organizzato una mostra di opere degli studenti nella sua galleria nell'ambito della Biennale dei giovani e quest'estate esporrà le composizioni di maggior successo insieme a con le opere degli artisti "adulti" della galleria.

Comunicazione con un mentore

Qui, ovviamente, non è più l'istituto scolastico che conta, ma la personalità dell'insegnante. Kirill Preobrazhensky afferma che “è impossibile insegnare a fare l'artista, può solo essere ispirato dal carisma personale dell'insegnante. Pur essendo un personaggio democratico, oggi aderisco a un punto di vista assolutamente tradizionale: puoi ricevere un'istruzione solo da un maestro specifico. Nell'arte contemporanea non può esserci sistema che possa essere utilizzato da chiunque come insegnante, la conoscenza muore con l'insegnante. Forse è questo che rende l'arte una conoscenza così unica, a differenza della scienza quando puoi affrontare i fatti. La mia metodologia si riduce a questo: accendere.

Una volta, alla sua esibizione - una master class all'IPSI, Alexander Melamid ha radicalizzato questa idea, affermando che l'arte è una religione, e che è necessaria l'ordinazione dal maestro, cosa che ha fatto con gli studenti, la comunione a ciascuno con un cucchiaio acceso di assenzio - la bevanda sacra dei modernisti. C'è del vero in questa affermazione sul carisma dell'insegnante: un pessimo insegnante di fisica una volta mi ha allontanato dalla sua materia (che ho amato prima di incontrarlo), anche se ha decisamente senso. Che dire dell'arte, in cui non c'è alcun significato pratico.

Data questa mancanza di conoscenza universale dell'arte, è particolarmente triste che nelle istituzioni tradizionali l'autorità di un insegnante possa spesso essere minata solo guardando il suo lavoro - molti professori insegnano per decenni solo secondo la formula "chissà come - fa, chi non sa come - insegna." E nelle scuole d'arte contemporanea, è particolarmente piacevole che gli insegnanti siano famosi praticanti o teorici con i loro grandi progetti, e non si aggrappino a un luogo perché questa è l'unica prova della loro esistenza sulla terra, o come un luogo redditizio. E la pratica di invitare i lettori a leggere brevi masterclass offre agli studenti punti di vista diversi, impedendo loro di cadere nel culto “religioso” di un unico ideale.

La comunicazione con il master può avvenire anche al di fuori di qualsiasi istituto di istruzione, questa è una sorta di istruzione alternativa, l'istituto del "mentoring". Un esempio di contatto diretto tra un insegnante e uno studente può essere visto alla mostra “Le mele cadono simultaneamente in diversi frutteti” al Winzavod nel 2008. C'erano maestri che non pretendevano di creare una scuola e volevano piuttosto aiutare i giovani a entrare nel contesto locale: Igor Makarevich ed Elena Elagina, che presentavano Khaim Sokol e Leonid Sokhransky, e Alexander Sigutin, che mostrava Vadim e Irina Grabkov.

Anatoly Osmolovsky ha presentato i lavori di coloro che hanno frequentato le sue lezioni alla "Fabbrica", ma non solo hanno partecipato, ma hanno dialogato con lui. Avdey Ter-Oganyan, che una volta organizzò la "Scuola dell'avanguardia" (esiste ancora in qualche forma, ma non ci sono quasi incarichi), ha compilato un programma specifico con compiti specifici che sono stati trasmessi agli studenti della comunità su LiveJournal; Anche il lavoro degli studenti è stato pubblicato e discusso lì. Ma questa scuola estremamente aperta - con un numero illimitato di studenti (accettati tutti) e un'immediata "mostra" sotto forma di pubblicazione in rete senza pre-moderazione - si è comunque trasformata in un laboratorio di più persone con cui è stata possibile la comunicazione live offline . Le loro opere sono state esposte al Winzavod. Ter-Oganyan e Osmolovsky avevano già una "Scuola d'arte contemporanea", che ora non esiste. Ma gli studenti di quella scuola notano anche la differenza con i risultati moderni: “... allora credevamo che l'artista fosse il massimo persona importante nel mondo, e l'arte è l'occupazione più importante, ma ora ciononostante diventa chiaro che l'arte appare in connessione con i fondi e il tempo in eccesso”; "... allora la comunicazione con l'insegnante era affascinante, perché lui stesso era nel processo, e noi siamo con lui, e ora sta solo cercando di trasmettere i suoi atteggiamenti." E gli studenti delle scuole di oggi non sembrano indipendenti - alla mostra degli ascoltatori delle lezioni di Osmolovsky in Stella Arte l'aura non era abbastanza per tutti.

La comunicazione con un mentore può essere solo a doppio taglio. Questo non è privo di effetti collaterali: Aidan Salakhova e Irina Meglinskaya (che insegna alla Rodchenko School) hanno, ad esempio, le loro gallerie e probabilmente vogliono mettere nuovi artisti sulla linea di produzione per loro, il che non è sempre produttivo per giovani. Ma Avdey Ter-Oganyan ha anche detto che "i ragazzi sono come comparse che mi aiutano a realizzare il mio progetto, ma siccome non li pago soldi per questo e non hanno altre motivazioni, li dedico alla mia cucina". Non c'è niente di male, infatti, nell'essere sorretti da una galleria o nell'essere iniziati ai segreti di un maestro. È importante non limitarsi a questo.

CENNI DI STORIA DELLA RIFORMA DELL'EDUCAZIONE ARTISTICA "ACCADEMIA" IN RUSSIA

La "Scuola accademica" è il più antico dei sistemi russi di insegnamento artistico professionale. Per due secoli e mezzo di sviluppo pressoché continuo, la "scuola accademica" russa ha evoluto forme esteriori, conservando le basi fondamentali dell'"accademismo" non tanto quanto direzione stilistica, ma come uno dei principi fondamentali del sistema europeo di educazione artistica. La Russia ha preso in prestito la "scuola accademica" dall'esterno e, poiché non era un prodotto naturale della vita russa, ci sono voluti notevoli sforzi e più di mezzo secolo per adattare le tradizioni straniere prima che diventassero parte organica della cultura nazionale. Origine in Europa metà del sedicesimo secoli di sistema "accademico" di insegnamento delle belle arti vanno visti come una reazione all'impoverimento delle possibilità dell'artigianato, della formazione corporativa. Il segno della "scuola accademica" era il desiderio di svilupparsi idealmente unito programmi educativi l'insegnamento per la loro stessa essenza, e del tutto autonomo in relazione ai meriti o ai demeriti degli insegnanti che li utilizzano. Naturalmente, la pedagogia nel campo delle arti è per sua natura condannata ad essere "dell'autore" ei suoi risultati dipendono in gran parte dall'autosufficienza creativa dell'insegnante. La vera "scuola accademica" comprende l'inizio "dell'autore". I principi fondamentali dell'accademismo sono progettati per lo sviluppo in una lunga prospettiva storica, in contrasto con le dichiarate scuole "d'autore" brillanti, che di solito vengono soppresse già nella seconda generazione dei loro aderenti.

Le accademie d'arte - come idea nata dal Rinascimento italiano e da esso ereditata la disputa - cosa dovrebbero riflettere o cosa dovrebbe imitare l'arte? Naturali o classici, selezionati e realizzati come campioni significativi. Questa contestazione-interrogazione è direttamente correlata alle metodologie di insegnamento dell'arte e la differenza nelle risposte conferisce particolarità ad alcune aree della scuola "accademica". Sono queste differenze che stanno alla base delle due tradizioni accademiche russe - "Pietroburgo" e "Mosca", dalla fruttuosa cooperazione-rivalità da cui è nata la diversità della cultura visiva russa nell'ultimo secolo e mezzo.

La venerazione delle tradizioni va attribuita ai tratti generici della "scuola accademica". In questo è simile alla scienza fondamentale. La storia mostra che la Russia è predisposta allo sviluppo delle tendenze fondamentali nella scienza e nell'arte, con qualche danno alla praticità applicata. E questa caratteristica, a quanto pare, dovrebbe essere considerata come la mentalità della civiltà russa, come il nostro contributo alla consonanza globale delle culture. Il processo di formazione e accumulazione della tradizione nella scuola d'arte è internamente contraddittorio. Da un lato, la scuola comunica con il passato, separando la sua esperienza, diffondendone i meriti, ma dall'altro deve relazionarsi adeguatamente con la realtà, svelare le tendenze di sviluppo e prevederne l'attualità futura. Di conseguenza, la scuola d'arte dovrebbe fornire stabilità e sviluppo. All'interno di un'unica scuola di scienze naturali possono manifestarsi diverse tendenze, che vanno dal fruttuoso conservatorismo e tradizionalismo come fondamenti della conservazione cultura professionale, alle reazioni "rivoluzionarie" alle tendenze all'avanguardia belle arti. Le proprietà naturali della "scuola accademica" includono la sua "lentezza" in relazione al momentaneo. In questo senso, la "scuola accademica" è fruttuosamente conservatrice rispetto alle tendenze provenienti dall'esterno per sincronizzare l'apprendimento con la rapidità dei cambiamenti di tendenze e tendenze nell'arte. La storia della "scuola accademica" russa risale ufficialmente al 1757. L'Accademia, aperta all'Università di Mosca e un anno dopo trasferita a San Pietroburgo, iniziò a essere creata centocinquanta-cento anni dopo rispetto alle accademie in Italia, Francia, Germania e quasi contemporaneamente alle accademie di Londra e Madrid. In molti modi, l'Accademia di Francia è stata un modello per San Pietroburgo. Naturalmente, l'Accademia delle arti in Russia ha avuto predecessori in materia di educazione artistica statale: la Camera dell'armeria, l'Ufficio dell'armeria di San Pietroburgo, l'Ufficio degli edifici, il "dipartimento" artistico dell'Accademia delle scienze.

Ma l'invito in Russia di artisti-insegnanti occidentali di terza categoria e il piccolo numero di studenti russi in pensione non hanno potuto cambiare rapidamente la situazione su scala nazionale. Infatti, anche prima del terzo quarto XVIII secolo, continua il pieno sviluppo della tradizione dell'icona, c'è una parsuna come forma pittorica intermedia.
In realtà, la vera strutturazione dell'Accademia delle Arti non inizia con un decreto sulla sua creazione, ma con l'introduzione della Carta del 1764 ("Privilegio e Carta dell'Accademia Imperiale delle tre arti più nobili, pittura, scultura e architettura , con una scuola educativa presso questa Accademia”). Strutturalmente, l'accademia è composta dalla Scuola Educativa, classi generali e speciali. Alla Scuola di Educazione erano ammessi bambini «di età non superiore a» cinque o sei anni, di religione greca, di qualsiasi ceto, eccetto i servi della gleba. La scuola educativa era una specie di scuola di educazione generale con un orientamento artistico. Il tempo per il superamento del corso accademico era fissato in quindici anni e suddiviso in cinque età, di cui le prime tre costituivano la Scuola Educativa, e le ultime due costituivano l'Accademia stessa. Occorre considerare lo svantaggio del sistema in fase di creazione gioventù alunni condannati ad una scelta inconscia di professione.

I ricercatori della storia dell'Accademia lo notano nuovo periodo la sua formazione è legata all'apertura nel 1798 della Scuola di Disegno per volontari di vario ordine. In realtà, da questo periodo inizia una preparazione consapevole preliminare, che ha dato vita a una generazione di artisti che è entrata nella storia dell'arte russa. Le idee che hanno ispirato i fondatori dell'Accademia I.I. Shuvalov e I.I. Betsky, assegnò un ruolo significativo alla "formazione" (come segno sopra i quattro portali del cortile dell'Accademia delle arti, erano scolpiti - "Pittura", "Scultura", "Architettura", "Educazione"), che assunse lo sviluppo di un ampio ciclo di "scienze".

L'inizio del regno di Alessandro I fu segnato da ampi piani di ristrutturazione statale, compreso il sistema di gestione della cultura. Le accademie hanno proposto di abbandonare il periodo di studio prefissato, subordinando il tempo per il completamento del programma ai progressi raggiunti nella padronanza dei compiti rigorosamente nominati. C'era una tendenza a trasferire l'intero carico educativo generale alla Scuola Educativa, liberando gli anziani per un'occupazione in una specialità.
L'Accademia combinava la formazione non solo nel campo delle "tre arti più nobili" - pittura, scultura e architettura, ma ereditò anche dai suoi predecessori l'educazione di artisti e artigiani in altri settori, principalmente nella direzione delle arti e dei mestieri. A poco a poco, l'Accademia si specializza, si concentra sulle arti "classiche", rifiuta l'istruzione non di base.

Una componente importante della "scuola accademica" era l'istituzione dei "pensionati", se tradotta nella terminologia moderna - il sistema di "istruzione post-laurea". Dalla fine del 18° secolo, la pensione è praticamente diventata una continuazione diretta degli studi accademici per gli studenti più dotati (a volte fino a un terzo della produzione totale). La pensione ha contribuito a un ulteriore miglioramento, ha formato i futuri insegnanti, ha aiutato a trovare un lavoro e talvolta anche a ottenere un titolo accademico. Per un periodo di tre anni, un pensionato potrebbe completare il programma per la Grande Medaglia d'Oro e, in caso di punteggio elevato, ottenere il diritto a viaggiare all'estero.
La riforma del 1830 mirava a trasformare l'Accademia delle arti in un'istituzione educativa prettamente specializzata.

L'anacronismo di una scuola strettamente specializzata, la negazione della precedente esperienza di trovare un equilibrio tra cicli umanitari generali e cicli educativi speciali furono superati dalla riforma del 1859. Per 19 anni, quando l'Accademia era una scuola strettamente professionale, pittori, scultori e architetti ben formati uscirono dalle sue mura. In tutti questi anni ci sono state controversie tra importanti artisti ed educatori sul significato del corso umanistiche. Ad esempio, I.K. Aivazovsky era estremamente negativo riguardo al corso discipline educative generali tra le mura dell'Accademia e rappresentava una scuola altamente professionale. E non era solo secondo lui. Eppure, la maggioranza dei membri del Consiglio era incline a ripristinare l'insegnamento delle discipline dell'educazione generale in via di sviluppo. La riforma del 1859 non solo reintrodusse il ciclo generale dell'istruzione, ma ripristinò l'idea suprema dell'Accademia primaria, originariamente dettata, che affermava il primato della formazione di artisti capaci di libera creatività sul mestiere assolutamente obbligatorio, in il significato più alto di questo concetto, la formazione. Questa disputa sembra solo semplice e passata. Infatti, ogni nuova riorganizzazione della scuola "accademica" (ad esempio, lo sviluppo moderno dello Stato standard educativi) risolve necessariamente la questione nel rapporto professionale dei cicli delle discipline umanitarie generali e speciali.

La drammaticità della situazione stava nel fatto che dalle mura dell'Accademia uscivano artisti che mettevano in discussione i meriti del sistema che li formava. Esteriormente, il conflitto si è concretizzato nel confronto tra l'Accademia e l'Associazione delle mostre itineranti. A livello di idee, i "Wanderers" ei loro ideologi hanno affermato il primato della pittura di genere socialmente orientata. . È abbastanza difficile per un osservatore esterno comprendere la natura della disputa eccessivamente ideologizzata tra la “vecchia” Accademia ei “Viandanti”. La sua acutezza è legata sia alla nascita di una vera e propria intellighenzia, che inizialmente non accetta alcuna forma di struttura statale, sia al cambio generazionale nell'art.

Nel 1833, per "l'educazione del gusto pubblico", fu creata la Moscow Art Society, che preparò l'apertura nel 1843 della Moscow Art School.
Le lezioni della Scuola erano limitate alle discipline artistiche, anatomia e prospettiva. Solo nell'ultima quarta elementare è stato necessario lavorare dalla natura. Non c'era un corso di composizione speciale. Si presumeva che sarebbe stata impartita una formazione al professionista medio, per molti aspetti artigianale, e la formazione dell'artista come persona creativa rimaneva prerogativa dell'Accademia. Oltre alla formazione generale, il corso di studi prevedeva la specializzazione in ritrattistica, pittura di paesaggio e, successivamente, in storia e scultura.
La vera pratica pedagogica presso la Scuola di Mosca differiva dai programmi approvati e si basava sul lavoro della natura. La natura della formazione è stata in gran parte determinata dall'esperienza creativa e pedagogica personale degli artisti invitati a insegnare. La formazione della "scuola di Mosca" è caratterizzata da una burrascosa controversia metodologica. La "scuola di Mosca" è caratterizzata dall'amore per i piccoli generi nell'arte, con un culto della natura e un'enfasi sull'esperienza, sebbene con qualche danno alla razionalità accademica, pietroburghese, alla fermezza del disegno e all'accuratezza compositiva. L'emergente rivalità con l'Accademia, che si considerava parte di un'unica scuola europea, permise alla fine dell'Ottocento di parlare della Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca come di una scuola che incarna le tendenze dell'originale, nazionale sviluppo.

Ma ci sono cambiamenti anche a San Pietroburgo. I "Viandanti" giunsero all'Accademia nell'alone dei vincitori dell'inerzia e con una negazione dell'esperienza metodologica e delle idee metodologiche accumulate prima di loro. Il volto della riforma, il suo segno distintivo era l'organizzazione di laboratori personali, guidati da artisti noti per il loro lavoro. Secondo i nuovi maestri (in primis I.E. Repin), che si sentivano i protagonisti dell'arte contemporanea, e proprio per questa circostanza avrebbero assolutizzato inutilmente esperienza personale, l'attenzione principale doveva essere rivolta a laboratori creativi con impostazioni metodologiche molto diverse. Da quel momento, il desiderio aziendale di una definizione coerente di norme e criteri nella pedagogia dell'arte è stato violato. D'altra parte, c'era l'opportunità per una varietà di esperimenti pedagogici.
Si è discusso molto su cosa e come insegnare. Ancora una volta, va sottolineato che il principio accademico di una normatività didattica unica è stato messo in discussione. I professori-supervisori hanno apportato molte cose nuove e inaspettate al processo di insegnamento. Ma dopo poco tempo, si è scoperto che la maggior parte delle innovazioni sono eccessivamente protette da copyright. A poco a poco, l'insegnamento iniziò a tornare alle tradizioni classiche. Nonostante tutta la routine della “vecchia” Accademia, pochi si accorgono che per molti aspetti il ​​nuovo sistema liberalizzato ha cambiato drasticamente la qualità finale dell'istruzione. L'Accademia iniziò a produrre artisti di pari dimensioni.

Nel 1910 divenne evidente la crisi dell'Accademia "errante". Ad esempio, A. Benois ha chiesto l'espulsione dei "Viandanti" dall'Accademia e il ripristino dell'educazione canonica. La scuola di Pietroburgo, soprattutto dopo la partenza nel 1907 del capo dei riformatori, I.E. Repin, iniziò gradualmente a tornare allo sviluppo di norme metodologiche concordate.
Già nei decimi anni del XX secolo, nelle scuole d'arte giunse una generazione che negava la scuola in quanto tale.

I cambiamenti avvenuti all'Accademia delle arti differivano nell'aspetto dai cambiamenti alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Entro la fine del 19 ° secolo, l'autorità della Scuola di Mosca divenne paragonabile all'Accademia delle arti. La rivalità tra le due capitali ha creato tensione nella cultura russa. La fruttuosa cooperazione-rivalità è proseguita anche dai loro moderni eredi delle due scuole: le istituzioni accademiche "Repinsky" e "Surikov".

Il materiale è stato preparato da Anna Pashina

Un fatto positivo: la comunità artistica e la classe creativa esistono in Russia. Cresce ogni anno il numero di istituzioni educative pubbliche e private diplomati, curatori, critici d'arte, grafici e altri rappresentanti delle professioni "libere". Un fatto triste: dopo aver ricevuto un'istruzione eccellente e comprendere facilmente concetti filosofici, arte classica e contemporanea, i laureati devono affrontare il problema dell'applicazione pratica delle proprie conoscenze e abilità. Dove ottenere l'educazione artistica in Russia? Presentiamo una panoramica delle migliori istituzioni educative - accademiche e focalizzate sull'arte contemporanea.

Educazione accademica

Una delle università d'arte più importanti e antiche della Russia. Facoltà: pittura, grafica, scultura, architettura, teoria e storia dell'arte.

Conduce la sua storia dal 1757, il successore dell'Accademia Imperiale delle Arti. Facoltà: pittura, grafica, scultura, architettura, teoria e storia delle belle arti.

Forma artisti in 5 specialità e 17 specializzazioni: progettazione di interni e mobili, sviluppo di tessuti decorativi e per mobili, forma specialisti in vari campi del design, storici e teorici dell'arte, artisti della pittura monumentale e scultori, artisti in metallo, ceramica e prodotti in vetro, restauratori di pittura monumentale, mobili e metallo artistico.

Nasce nel 2015 unendo due facoltà: Arte e Grafica e Musica.

È stata fondata nel 1987. Il rettore Ilya Glazunov considera il suo compito principale la rinascita del realismo nell'arte.

Percorsi formativi: pittura, grafica, progettazione dell'ambiente architettonico, teoria e storia dell'arte, design, belle arti e mestieri, restauro.

Arte Moderna

La prima istituzione fondata in Russia (1991) nel campo dell'arte contemporanea.

L'artista fondatore Anatoly Osmolovsky formula il suo compito come segue: "Non tanto per dare conoscenza in modo alienato, ma per creare un ambiente creativo".

Forma artisti contemporanei, professionisti nel campo della fotografia e della multimedialità nei seguenti settori: fotografia documentaria, fotografia d'arte, video arte e multimedia.

Il centro educativo del Museo d'Arte Moderna di Mosca, creato per giovani artisti e curatori che iniziano a lavorare nel campo dell'arte contemporanea.

L'obiettivo della scuola è sviluppare il potenziale creativo e il pensiero critico dei giovani artisti, creare un campo per la loro comunicazione professionale e sostenere nuovi progetti. La formazione dura un anno e mezzo

Un programma biennale per la formazione dei curatori.

Gli artisti della "Voronezh Wave" sono un fenomeno notevole sulla scena artistica russa. Uno dei centri regionali più attivi nello sviluppo dell'arte contemporanea.

Formazione applicata e DPI

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Filiali - a Mosca e San Pietroburgo. L'istituto forma specialisti nel campo delle arti e dei mestieri.

Formazione aggiuntiva - corsi, lezioni

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La particolarità dei corsi è la combinazione di teoria e pratica.

Lezioni sull'arte contemporanea nazionale ed estera, nonché sulle pratiche artistiche interdisciplinari.

Forma storici dell'arte, esperti di antiquariato e art manager.

La prima scuola online di gestione creativa in russo. Parlano di come realizzare una mostra, un festival cittadino, allestire uno spettacolo, trasportare un'opera d'arte.

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Scuola online di design e illustrazione. La base del programma è un sistema di corsi di design, illustrazione e scienze correlate. I corsi scolastici sono rivolti non solo a designer, artisti, ma anche a coloro che vogliono diventarli.

La business school RMA è stata fondata nel 2000 e oggi è uno dei leader nel campo della formazione aziendale in Russia. La scuola ha un programma "Art Management e Gallery Business". Ti aiuterà a comprendere l'arte contemporanea e il mercato dell'arte, a conoscere l'organizzazione di mostre e i prezzi, a sviluppare un database di contatti utili e a trovare persone che la pensano allo stesso modo.

Gli istituti di istruzione superiore d'arte a Mosca sono sempre stati su un conto speciale. I cambiamenti politici e gli sconvolgimenti economici del Paese non ne attenuano la concorrenza: l'amore per l'arte vince su ogni pensiero sul pane quotidiano e sul guadagno. E questo nonostante il fatto che solo pochi laureati riescano ad avere successo professionale, ottenere successo e con esso prosperità. Tuttavia, resta il fatto che di solito ci sono la metà dei posti vacanti in tali università rispetto a quelli che vogliono prenderli.

talenti e fan

Come nel caso delle università teatrali, quando si entra in una scuola d'arte, si cercherà un candidato per la presenza di una certa scintilla, che comunemente viene chiamata talento. In fondo, infatti, tutti possono tenere in mano una matita o un pennello, ma solo una persona su cento o mille è in grado di creare qualcosa di unico.

Non è possibile dare una definizione assolutamente precisa del concetto di "talento": tutto nell'arte è troppo soggettivo. Sfortunatamente, qualsiasi professione creativa dipende interamente dalle opinioni di spettatori e critici. Ecco perché molti esperti consigliano: prima di varcare la soglia di un'università d'arte, vale la pena considerare se puoi trascorrere molti anni della tua vita nell'oscurità, rimpiangendo amaramente che il tuo lavoro non abbia fatto la giusta impressione sul pubblico. Dopotutto, l'intero gioco di colori, la chiarezza delle linee, la coerenza dello stile opera d'arte creato con un solo scopo: scioccare il mondo ed esprimersi.

Le prospettive professionali per futuri artisti, designer, architetti sono piuttosto illusorie. Il costo del loro lavoro può variare notevolmente: tutto dipenderà dalla fortuna capricciosa e volubile delle fate. Efficienza, capacità di trovare linguaggio reciproco con il cliente oggi non meno importanti qualità professionali.

Preparazione per l'ammissione a un'università d'arte

L'elenco delle università d'arte della capitale non è molto lungo, ma ottenere un'istruzione tra le loro mura è considerato prestigioso in tutto il mondo. L'alto livello di insegnamento in essi è stato stabilito dai padri fondatori di queste istituzioni educative. Questi includono l'Accademia statale di Mosca istituto d'arte intitolato a V. I. Surikov, Moscow Art and Industry University. S. G. Stroganova, Accademia russa di pittura, scultura e architettura, tutta russa istituto statale filmarli. S. A. Gerasimova e la facoltà di arte e grafica del Pedagogico di Mosca Università Statale. Assolutamente da menzionare l'Istituto accademico statale di pittura, scultura e architettura di San Pietroburgo. I. E. Repin - questa università, che ha tradizioni secolari, è stata fondata in metà del diciottesimo secolo sotto il patrocinio dell'imperatrice Elisabetta Petrovna. Secondo la Carta allora in vigore, vi studiarono per 15 anni. Oggi, il termine ufficiale per ottenere l'istruzione è stato ridotto, ma per diventare uno studente, un candidato dovrà letteralmente passare anni a prepararsi per l'ammissione.

Ognuna di queste università ha una propria scuola d'arte o corsi preparatori. L'istruzione e la formazione in essi richiedono da diversi mesi a due anni. Vale la pena, però, fare una prenotazione che ufficialmente nessuno dia garanzie di ammissione al proprio laureato. Inoltre, su corsi preparatori all'Istituto Surikov, gli insegnanti avvertono senza mezzi termini che non ci si aspetteranno concessioni dai "loro" - tutti entrano su una base comune. Classi preparatorie, di regola, pagato, per non parlare del fatto che il richiedente deve dotarsi di materiali ausiliari - colori, pennelli, matite, carte, telai, tele ... Il prezzo può essere diverso: per un tubo di vernice, per esempio, - da 10 a 1000 rub. Un sottotelaio costa almeno 2000 rubli.

Inoltre, quando si entra in un'università d'arte, è molto importante tenere conto di una sottigliezza: durante l'analisi delle domande, viene data la massima preferenza a quei candidati che si sono diplomati in scuole d'arte specializzate (ad esempio, Scuola d'arte per bambini n. 1 denominata dopo V. A. Serov su Prechistenka, Liceo artistico accademico di Mosca dell'Accademia delle arti russa), o avere una scuola secondaria educazione professionale nelle scuole d'arte (Moscow State Academic Art School in Memory of 1905 o Moscow Art School (College) of Applied Arts). Questo perché questo tipo di istruzione superiore non tollera persone casuali che improvvisamente hanno un desiderio ardente di essere artisti, restauratori o architetti. La competizione tra i candidati è piuttosto dura e il meglio del meglio dovrebbe essere accettato, quindi è necessario pianificare in anticipo l'ammissione, tenendo conto delle proprie capacità.

Esami di specialità

In primo luogo, dovresti decidere in quale direzione vorresti applicare i tuoi impulsi creativi. La professione di artista ha diverse varietà, ad esempio pittore, restauratore, artista di teatro. Il numero di specialità che si possono ottenere in un'università d'arte include scultore, architetto, storico dell'arte, insegnante d'arte, artista di lungometraggi, costumista, film d'animazione e artista di computer grafica. E la prima cosa che ti verrà chiesto al momento dell'ammissione è fornire un'anteprima lavoro creativo secondo i percorsi scelti. Di norma, si tratta di disegni: un ritratto e una figura di una persona, un dipinto - un ritratto con le mani, composizioni. Sono ammessi coloro che superano questa selezione esami di ammissione. Gli esami nella specialità si svolgono in laboratori (con la partecipazione di sitter) per diversi giorni. Gli articoli speciali includono:

• disegno (due compiti): un ritratto e un nudo in piedi (su carta con matita di grafite); la carta viene rilasciata direttamente in loco o il richiedente utilizza la propria, contrassegnata da un sigillo comitato di ammissione;
• pittura: un ritratto con le mani di un soggetto seduto (su tela con colori ad olio o tempera, guazzo, acquerello - previa ammissione alla facoltà di grafica); tela fino a 70 cm di dimensione sul lato grande, il richiedente deve portare con sé;
• composizione: il lavoro su un determinato argomento può essere in qualsiasi tecnica.

Poi navigano prove d'esame e dare valutazioni. Se il numero di punti segnati è sufficiente per superare la competizione, troverai un saggio su un determinato argomento, storia (orale), storia della cultura artistica russa e, in alcuni casi - lingua straniera. Se, tuttavia, non fosse possibile entrare nel reparto a tempo pieno, al vostro servizio filiali a pagamento, il costo medio dello studio al quale a volte raggiunge i 4500-5000 dollari.

Indirizzi universitari

Istituto Statale d'Arte Accademico di Mosca intitolato a V. I. Surikov: Facoltà di Pittura, Scultura, Teoria delle Belle Arti; Mosca, Tovarishchesky per., 30 (stazione della metropolitana "Taganskaya", "Marxistskaya");

Facoltà di grafica, architettura: Mosca, Lavrushinsky per., 15 (l'edificio di fronte all'ingresso della Galleria Tretyakov, stazione della metropolitana "Novokuznetskaya", "Tretyakovskaya").

Università dell'arte industriale di Mosca. S. G. Stroganov: Mosca, Volokolamskoe sh., 9 (stazione della metropolitana "Sokol").

Accademia Russa di Pittura, Scultura e Architettura: Mosca, st. Myasnitskaya, 21 (stazione della metropolitana "Chistye Prudy"); Kamergersky per., 2 (stazione della metropolitana "Okhotny Ryad").

Istituto statale di cinematografia tutto russo. SA Gerasimova: Mosca, st. Wilhelm Pick, 3 (stazione della metropolitana "Giardino botanico").

Istituto accademico statale di pittura, scultura e architettura di San Pietroburgo intitolato a I. E. Repin: San Pietroburgo, Universitetskaya nab., 17 (stazione della metropolitana "Vasileostrovskaya").

Graduatoria delle università di architettura e arte

Ministero dell'Istruzione e della Scienza Federazione Russa ha approvato la valutazione degli istituti di istruzione superiore in base ai risultati delle loro attività. La raccolta dei dati per determinare la graduatoria delle università e delle specialità è stata effettuata dalla metà dell'anno accademico 2004.

Nella determinazione della valutazione sono stati presi in considerazione molti parametri: la qualità del corpo docente, il numero di studenti di varie forme di istruzione, la presenza di studenti di altri paesi; volume ricerca scientifica, editoria, fornitura agli studenti di ostelli, dispensari, ecc.

Posto	Nome dell'università
1	Istituto di architettura di Mosca ( accademia statale)
2	Università statale di arte e industria di Mosca
3	Accademia statale di architettura e arte degli Urali (Ekaterinburg)
4	Accademia statale di arte e industria di San Pietroburgo
5	Accademia statale di architettura e arte di Novosibirsk
6	Accademia statale di architettura e arte di Rostov
7	Istituto statale d'arte di Krasnoyarsk

Il sistema educativo generale dell'educazione artistica si basava sull'insegnamento del disegno, poiché scrivere geroglifici richiedeva determinate abilità. L'insegnamento del disegno si basava su due direzioni: lo sviluppo della tecnica del libero movimento della mano e la fermezza nel realizzare rilievi e scrivere papiri. Il metodo principale è copiare e memorizzare. Il sistema educativo prevedeva severi requisiti disciplinari. Sebbene solo gli strati privilegiati della società egiziana potessero ricevere un'istruzione, venivano praticate punizioni corporali (rimanevano per 3 mesi in ceppi). Educazione professionale da un lato era di natura generica, quando i segreti dell'artigianato venivano tramandati di padre in figlio, dall'altro venivano organizzate scuole professionali. La principale scuola professionale di belle arti era la Memphis Court School of Architects and Sculptors. Al tempo di Ramesse II e del suo erede, c'era un istituto per artisti in Egitto dove gli studenti potevano scegliere i loro insegnanti. metodi di insegnamento in questo Istituto d'Istruzioneè stato diviso in tabelle che servivano da linee guida con un'attuazione graduale del lavoro. In particolare, tale tecnica è stata utilizzata come costruzione di una figura umana su una griglia. Non si trattava solo di un tentativo di ingrandimento dell'immagine, ma di un prototipo di griglia modulare, che permetteva di ingrandire l'immagine, costruire un'immagine frontale e laterale, poiché l'intersezione delle linee della griglia avveniva in determinati collegamenti nodali. Il disegno è stato costruito da qualsiasi punto di questa griglia. L'immagine non è stata rilevata dalla definizione forma generale, ma con la preparazione meccanica dei calcoli delle proporzioni. Nell'insegnamento della scultura sono stati utilizzati il ​​metodo standard e il metodo work in progress aiuto visivo per capire i passaggi coinvolti. Pertanto, esiste un approccio sistematico all'insegnamento delle belle arti, è stata stabilita una fondatezza teorica della pratica delle belle arti e per la prima volta sono state stabilite le leggi della rappresentazione e della formazione dei futuri artisti. Non è stato stabilito se esistesse una teoria del processo di apprendimento (didattica). Tuttavia, c'erano scritti pedagogici (di Tauf). L'educazione non si basava sullo studio della realtà circostante, ma sulla memorizzazione dei canoni stabiliti. Le belle arti in Egitto erano già una disciplina educativa generale. Lezione n. 4 "Il sistema di educazione artistica in Grecia antica". L'arte dell'antica Grecia è il più grande strato nella storia delle belle arti mondiali. Le opere create in questo periodo stupiscono i contemporanei per la loro proporzionalità, realismo, armonia con ambiente. Pertanto, l'interesse per il sistema di educazione artistica è naturale, che, a sua volta, è una tappa significativa nella storia dello sviluppo di tutta l'educazione artistica nel suo insieme. I cambiamenti fondamentali nel sistema educativo dell'antica Grecia sono associati, prima di tutto, a un cambiamento nella visione del mondo e, di conseguenza, a un cambiamento nella religione e nella coscienza sociale all'interno della stessa formazione economica di proprietari di schiavi. Il pantheon degli dei greci, in contrasto con quelli zoomorfi egizi (poi con corpi umani), era antropomorfo. L'aldilà è stato presentato per analogia con la realtà. E la preparazione per la transizione verso un altro mondo non è stata così divorante. In generale, l'atteggiamento degli antichi greci era di natura umanistica, volto a rivelare gli schemi della realtà, e la bellezza del corpo umano era considerata lo standard dell'armonia, cioè la proporzionalità delle parti rispetto al tutto. Questo ideale estetico è espresso nelle parole di Pericle 12 (un antico stratega greco che guidò Atene nel suo periodo di massimo splendore): "Amiamo il bello, unito alla semplicità e alla saggezza senza effeminatezza". Tuttavia, tutto ciò che è nuovo creato dai greci ha un fondamento. E questo fondamento è l'arte egizia. Artisti greci il sistema dei canoni e dei metodi di scultura si sviluppò in Egitto. Ad esempio, i fratelli Telecle e Teodoro di Samo, che vivevano in diverse città, presero l'ordine dei Sami per la statua dell'Apollo Pitico. Indipendentemente l'uno dall'altro, ognuno di loro ha realizzato la propria metà della statua in modo così abilmente che, una volta combinate, entrambe le metà si sono unite. Un tale corso di lavoro di successo è stato facilitato dall'osservanza del metodo egiziano di lavorare su un'opera scultorea. In futuro, i greci affrontarono il problema dell'istruzione e dell'educazione in un modo nuovo. Il realismo è alla base dell'arte greca. Gli artisti hanno affermato che nel mondo regna una rigorosa regolarità e l'essenza della bellezza risiede nell'armonia delle parti e del tutto, nelle corrette proporzioni matematiche. Nel 432 a.C. Policleto di Sicione creò un saggio sulle leggi proporzionali della costruzione del corpo umano e per la prima volta nella storia risolse il problema del conrpost. L'immagine del corpo umano è diventata naturale e vitale. Come esempio dell'esecuzione della scultura secondo i nuovi canoni, viene utilizzato il “Dorifor” (portatore di lancia). I disegni di questa scultura sono stati realizzati non solo da futuri professionisti, ma anche da bambini scuola di educazione generale. Un altro grande scultore della tarda età classica, Prassitele, creò un proprio canone, in cui le proporzioni del corpo erano alquanto allungate rispetto al canone policletico. Conosciamo i metodi di insegnamento di questo periodo dalle successive opere teoriche degli storici romani Plinio, Pausania e Vetruvio, nonché sulla base di manufatti sopravvissuti. Inoltre, non sono rimasti così tanti manufatti dell'arte greca da cavalletto: la scultura è giunta fino a noi, principalmente in copie romane, che non trasmettono tutta la profondità dell'arte greca antica, anche i manufatti della pittura sono pochi. Storia del primo sviluppi metodologici nelle belle arti dell'antica Grecia è associato ai nomi di Polignoto e Apollodoro di Atene. Polignoto, dopo aver formato un circolo di artisti ad Atene, dove gli furono conferiti i diritti di cittadinanza, lanciò il suo attività pedagogica . Ha incoraggiato gli artisti a lottare per la realtà. Tuttavia, ha imparato solo un disegno lineare, senza il trasferimento del chiaroscuro. Ma anche qui la linea ha lavorato per trasmettere lo spazio. Scrive Plinio: “Polignoto... che dipinse donne in abiti traslucidi, si coprì la testa con cappelli colorati e fu il primo a introdurre molte cose nuove nella pittura, non appena cominciò ad aprire la bocca, mostrare i denti e dare varietà invece della prima faccia immobile. Aristotele notò che Polygnot trasmetteva idealmente la forma del corpo umano, disegnando modelli a grandezza naturale. Tuttavia, il suo dipinto è stato presentato come un disegno dipinto in bianco e nero. Una vera rivoluzione nel campo del disegno e dei metodi di insegnamento è attribuita ad Apollodoro di Atene, che Plinio chiama le "luci dell'arte". Il merito di Apollodoro sta nel fatto che fu il primo a introdurre il chiaroscuro e iniziò a modellare il volume della forma nel disegno. Era considerato un miracolo. C'era bisogno di altri metodi di insegnamento che considerassero i modelli di distribuzione del chiaroscuro rispetto alla sorgente luminosa. La pittura iniziò a basarsi sul gioco del calore e del freddo. Apollodoro non era solo un artista di talento, ma anche un eccellente insegnante. Uno dei suoi studenti fu Zeukis (420-380 aC). In uno dei suoi epigrammi, Apollodoro lo definì "il ladro della mia arte". La metodologia di Zeukis si basava su uno studio approfondito della natura, comprendendo le leggi della bellezza attraverso l'osservazione. C'è una leggenda secondo cui Zeukis dipinse un ragazzo che portava dell'uva. 14 uccelli si accalcarono all'uva, così fu abilmente tirata. E il maestro era sconvolto: "Se avessi anche ritratto abilmente un ragazzo, gli uccelli non sarebbero volati dentro, si sarebbero spaventati". La rivalità tra Zeukis e un altro artista significativo, Parrasio, è famosa. Plinio scrive: “Si dice che Parrasio sia entrato in contesa con Zeukis. Zeukis portò un quadro in cui l'uva era raffigurata così bene che gli uccelli si accalcavano. Parrasio portò un pannello dipinto in modo così plausibile che Zeukis, orgoglioso della frase degli uccelli, iniziò a chiedere che il pannello fosse rimosso e che il quadro stesso fosse mostrato. E poi si rese conto del suo errore e lasciò il posto al palmo sotto l'influenza di una nobile vergogna. Parrasius si mostrò anche un artista teorico, scrivendo un trattato sul disegno, in cui prestava particolare attenzione alla linea e al suo lavoro nella costruzione dell'illusione dello spazio. “Dopo tutto, il contorno dovrebbe consistere in una propria linea e interrompersi in modo tale da suggerire ciò che è nascosto. Tratti caratteristici del suo insegnamento: - chiarezza nel trasferimento dei contorni degli oggetti; -linearità nel trasferimento della forma degli oggetti; -lavoro attivo dalla natura; -combinazione del disegno altamente tecnico con la conoscenza delle leggi della costruzione realistica del corpo umano; -possesso di mezzi di disegno luci ed ombre; - il desiderio di trasmettere il realismo dell'immagine, raggiungendo un fine a se stesso. Nel IV secolo aC. e. vi furono diverse famose scuole di disegno: Sicione, Efeso, Tebano. La scuola tebana - il fondatore di Aristide - attribuiva importanza agli effetti chiaroscurali, al trasferimento di sensazioni, alle illusioni. La scuola di Efeso - Ephranor o Zeukis - era basata sulla percezione sensoriale della natura, della sua bellezza esteriore. 15 La scuola sicione, fondatrice di Eupomp, si basava sui dati scientifici delle scienze naturali e si atteneva rigorosamente alle leggi della rappresentazione della natura reale. Questa scuola richiedeva la massima precisione e rigore nel disegno. Ha influenzato l'ulteriore sviluppo delle belle arti. Eupompo (400-375 aC) fu un insegnante e pittore eccezionale. Ha incoraggiato i suoi studenti a studiare le leggi della natura sulla base di dati scientifici, principalmente matematica. Questo è un metodo fondamentalmente nuovo: osservazione + analisi. Allievo di Eupomp - In allegato Panfil Grande importanza il disegno come materia educativa generale, poiché quando si disegna una persona non solo trasmette la forma di un oggetto, ma ne apprende anche la struttura. Panfil ha lavorato molto nel campo del contatto tra disegno e geometria, perché credeva che quest'ultima sviluppasse il pensiero spaziale. Sulla porta della sua scuola c'era scritto: "Le persone che non conoscono la geometria non sono ammesse qui". La durata della formazione al Panfil è stata di 12 anni ed è costata un talento (26.196 kg d'oro). Entro il 4° secolo a.C. e. Gli artisti dell'antica Grecia iniziarono a sviluppare la teoria della prospettiva. Tuttavia, somigliava poco a quello creato da Filippo Brunelleschi (con un punto di fuga). Questa è molto probabilmente una percezione percettiva della realtà. Quindi nella storia dell'arte dell'Europa occidentale sono apparse ed esistono ancora oggi due direzioni: il disegno da una macchia di colore e un'analisi costruttiva della forma. I maestri dell'antica Grecia invitavano i loro studenti a studiare la natura su basi scientifiche, il vantaggio era dato alla conoscenza e non agli impulsi dell'ispirazione. Pertanto, imparare a disegnare era di fondamentale importanza. Gli studenti hanno disegnato principalmente su tavole di faggio ricoperte di bastoncini di cera, metallo o osso. Le scuole d'arte dell'antica Grecia sono un laboratorio-studio privato, che ricorda nel loro principio le botteghe private del Rinascimento. 16 Esito: - nuovi metodi di insegnamento, basati sul trarre dalla natura; - il compito del disegnatore non è solo la copia degli oggetti, ma anche la conoscenza degli schemi della loro costruzione; - disegnare in una scuola secondaria come strumento di comprensione della realtà circostante; - elaborazione di canoni per la costruzione del corpo umano secondo le leggi della realtà visibile conoscenza scientifica; - l'uomo è corona di bellezza, tutto in lui è proporzionato e armonioso, “l'uomo è la misura di tutte le cose” (Eraclide). Lezione n. 5 "Educazione artistica in Antica Roma» Il patrimonio artistico è significativo per il suo valore per la cultura mondiale. Ma ha un carattere diverso dal greco. Riguarda la visione del mondo dei romani. Loro, come i Greci e gli Etruschi, erano pagani, ma la loro religione, e quindi la loro fantasia artistica, erano più prosaiche che greche, la loro visione del mondo era più pratica e sobria. I romani crearono il loro bel teatro, la commedia tagliente, la letteratura di memorie, svilupparono un codice di leggi (il diritto romano era alla base di tutta la giurisprudenza europea), nuove forme in architettura (la scoperta del cemento diede nuove possibilità costruttive per la costruzione di edifici giganti e soffitti a volta) e belle arti (rilievo storico, ritratto scultoreo realistico, scultura statuaria, gli esempi più interessanti di pittura monumentale). Dopo la conquista della Grecia da parte di Roma, iniziò una più stretta conoscenza dell'arte greca, che i romani veneravano come modello. "Il conquistatore ignorante fu conquistato dall'arte del popolo vinto." 17 Nel II sec. AVANTI CRISTO e. Il greco era comune nell'alta società. Opere d'arte greca riempivano gli edifici pubblici di Roma, edifici residenziali, ville di campagna. Quindi, oltre agli originali, apparvero molte copie delle famose opere greche di Mirone, Fidia. Scopa, Prassitele, Lisippo. Ma l'ispirazione poetica dell'arte greca, l'atteggiamento stesso verso l'artista come l'eletto degli dei che lo hanno dotato di talento, non è mai esistito a Roma. Da qui il sistema di educazione artistica, che dava solo le capacità di un artigiano di alto rango, un kopeist. In effetti, tra levigate copie meccaniche, l'autentica plasticità scultorea greca sembra così viva nei suoi giochi di piani che sembra una brezza leggera in una giornata calda. Roma non ha introdotto nulla di fondamentalmente nuovo nella metodologia dell'insegnamento delle belle arti. Sebbene fosse considerato una buona forma dedicarsi alle belle arti nell'alta società romana. Ma non era altro che un omaggio alla moda. Pertanto, il pensiero utilitaristico dei romani ha influenzato lo sviluppo dell'educazione artistica in questo paese non nel migliore dei modi. Lezione n. 6 "Metodi di lavoro nell'arte medievale" L'arte medievale è una tappa speciale nello sviluppo artistico mondiale. Uno dei suoi caratteristiche chiave - uno stretto legame con la religione, i suoi dogmi, quindi lo spiritualismo, l'ascesi. La religione e la sua istituzione pubblica - la chiesa - furono una potente forza ideologica, il fattore più importante nella formazione dell'intera cultura feudale. Inoltre la chiesa fu il principale committente dell'art. Infine, non va dimenticato che il clero era l'unica classe istruita a quel tempo. Pertanto, il pensiero religioso ha plasmato tutta l'arte medievale. Tuttavia, ciò non significa che le vere contraddizioni della vita non trovassero espressione nell'arte medievale, che gli artisti medievali non cercassero l'armonia. La struttura figurativa e il linguaggio dell'arte medievale è più complessa ed espressiva dell'arte dell'antichità, trasmette il mondo interiore di una persona con maggiore profondità drammatica. In esso si esprime più chiaramente il desiderio di comprendere le leggi generali dell'universo. Il maestro medievale ha cercato di creare un quadro artistico grandioso del mondo nell'architettura, nella pittura monumentale e nella scultura, che adornava i templi medievali. Ma nello stesso sistema artistico, nel metodo artistico dell'arte medievale, c'era un limite, che si manifestava anzitutto nell'estrema convenzionalità, nel simbolismo e nell'allegorismo del linguaggio figurativo, a cui la trasmissione veritiera della bellezza del il corpo fisico è stato sacrificato. Le conquiste dell'arte realistica dell'antichità furono consegnate all'oblio. Scrive Ghiberti: “Così, al tempo dell'imperatore Costantino e di papa Silvestro, prevaleva la fede cristiana. L'idolatria fu sottoposta alla più grande persecuzione, tutte le statue e le immagini della più perfetta perfezione furono rotte e distrutte. Così, insieme alle statue e ai dipinti, ai rotoli e ai registri, ai disegni e alle regole che davano istruzioni a un'arte così sublime e sottile, perirono. L'arte è stata costruita senza fare affidamento sulla scienza: solo l'attenzione e l'occhio fedele dell'artista. La corporeità è stata preservata solo prendendo in prestito le immagini dell'arte antica (Orfeo è l'immagine del giovane Cristo pastore). Tuttavia, questi prestiti non sono durati a lungo. L'immagine del Cristo giovane è stata sostituita dal culto dell'anziano con una propria struttura figurativa. La base dell'istruzione durante questo periodo è la copia meccanica. Tuttavia, nell'arte medievale esisteva un sistema che cercava di trovare alcuni modelli di costruzione dell'immagine. Questo è il sistema di Villard de Honnecourt. La sua essenza sta nella costruzione di calcoli matematici astratti, nella ricerca di 19 schemi geometrici, nella cabalistica dei numeri e non nella ricerca di schemi nella struttura delle forme della natura. L'arte bizantina era più canonica dell'arte dell'Europa medievale. E qui ho praticato il lavoro su campioni. Raggiunto i nostri giorni lavoro interessante col metodo delle belle arti di Bisanzio. Questa è "Erminia, o Istruzioni nelle arti della pittura" 1701-1745, scritta dal monaco Athos Dionisio di Furna (Furnographiot). Contiene molti fatti sul mestiere del pittore (come fare una copia, carboncini, pennelli, colle, primer, istruzioni dettagliate su come dipingere volti, vestiti) e molto altro. Ad esempio, su come copiare: “... attacca la carta imbevuta di olio ai quattro bordi dell'originale; fare una vernice nera con una piccola quantità di tuorlo e circondare attentamente il disegno con esso e applicare le ombre; quindi preparare il bianco e riempire gli spazi vuoti e utilizzare il bianco più sottile per contrassegnare i punti luminosi. Quindi verrà fuori un contorno dell'immagine, perché la carta è trasparente e tutte le caratteristiche dell'originale sono visibili attraverso di essa. Un altro esempio di copia: "Se non ci sono motivi o macchie sul retro dell'originale, mettici sopra carta non oliata, mettila in controluce sulla finestra ... e, vedendo tutte le caratteristiche, disegnale con cura sul tuo carta, e segnare la luce con vernice rossa”. Quindi, nell'era del medioevo: - il principale metodo di educazione era la copia da campioni, che contribuì allo sviluppo del lavoro artigianale; - processo di apprendimento - lavoro indipendente come parte di un artel di maestri. venti