Presentazione del poeta infuocato del mare di Aivazovsky. Presentazione sull'argomento "I. K. Aivazovsky". Irriconoscibile Aivazovsky: non solo paesaggi marini
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Contenuti Letteratura e arte del XIX secolo. Romanticismo Pushkin - "l'animale domestico delle muse pure" A.S. Pushkin e I.K. Aivazovsky. "L'ardente poeta del mare" Eredità del grande pittore marino
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(fr. romantisme) - un fenomeno della cultura europea nei secoli XVIII-XIX. Il Romanticismo sostituisce l'Età dell'Illuminismo. È caratterizzato dall'affermazione del valore intrinseco della vita spirituale e creativa dell'individuo, dall'immagine di passioni e caratteri forti (spesso ribelli), dalla natura spiritualizzata e curativa. Nel 18° secolo, tutto ciò che era strano, fantastico, pittoresco ed esistente nei libri, e non nella realtà, era chiamato romantico. A inizio XIX secolo, il romanticismo divenne la designazione di una nuova direzione, opposta al classicismo e all'Illuminismo.
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A. Tiranov. Ritratto di I. Aivazovsky 1841 Galleria Tretyakov V. Tropinin. Ritratto di AS Pushkin 1827 Museo Statale Pushkin, San Pietroburgo
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Pushkin all'addio di Pushkin dalla costa del Mar Nero Dal Mar Nero La conoscenza di Pushkin ha lasciato un'impressione indelebile sul giovane Aivazovsky. "Da allora, il poeta che già amavo è diventato il soggetto dei miei pensieri, ispirazione e lunghe conversazioni, storie su di lui", ha ricordato l'artista. Aivazovsky ha adorato per tutta la vita il talento del più grande poeta russo, dedicandogli un intero ciclo di dipinti più tardi, negli anni '80 dell'Ottocento. In essi univa la poesia del mare con l'immagine del poeta. L'addio di Pushkin al Mar Nero 1887
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Insieme a I. Repin nel 1877, Aivazovsky creò il famoso dipinto "L'addio al mare di Pushkin. Esattamente dieci anni dopo, nell'anno del cinquantesimo anniversario della morte di A. S. Pushkin, nel 1887 Aivazovsky dipinse il dipinto "Pushkin sul Mar Nero". E anche il terzo appello al tema "Pushkin and the Sea" si svolge ad Aivazovsky, esattamente dieci anni dopo (tre anni prima della sua morte) nel 1897. Chiama l'immagine allo stesso modo: "Pushkin sul Mar Nero". Ha anche un secondo nome: "Addio, elemento libero ...". La quartina di Pushkin è scritta direttamente sulla tela. Non è simbolico scrivere "Addio" all'elemento libero tre anni prima della morte. L'artista, per così dire, ha detto addio al mare stesso! Nelle vesti di un poeta nella foto, Aivazovsky disegna senza dubbio i suoi lineamenti giovanili.
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Signore del mare Ritratto di I.K. Aivazovsky di SA Rymarenko (1846) C'è un'opinione secondo cui il poeta e l'artista erano in qualche modo simili. Aivazovsky ha scritto circa 6 mila dipinti, disegni e schizzi. Tra questi, i più famosi sono: "The Ninth Wave" (1850), "The Black Sea" (1881) - ricreando la grandezza e la potenza dell'elemento marino, l'immagine delle battaglie navali - "The Battle of Navarra", " La battaglia di Chesme” (entrambi - 1848), una serie di dipinti “Difesa di Sebastopoli” (1859).
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MARINISMO. (Marina italiana, dal lat. marinus - marine) - opera pittorica o grafica raffigurante una veduta marina, una scena battaglia navale o altri eventi che si svolgono in mare. Gli artisti che ritraggono il mare sono detti MARINISTI
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"Il focoso poeta del mare" "Il mare è la mia vita", ha detto Aivazovsky. Il suo lavoro è una specie di enciclopedia marina. Da esso puoi conoscere in dettaglio qualsiasi stato in cui si trova l'elemento acqua: calma e leggera eccitazione , e tempesta, e una tempesta che dà l'impressione di una catastrofe universale - qui puoi vederlo, questo elemento, in qualsiasi momento della giornata - dalle albe radiose alle magiche notti di luna - e in qualsiasi momento dell'anno puoi contare dozzine di sfumature che colorano le onde del mare - dal trasparente, quasi incolore, attraverso tutte le sfumature immaginabili di blu, blu, azzurro fino al nero profondo.
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I porti turistici notturni di Aivazovsky sono unici. "Notte al chiaro di luna sul mare", "Moonrise" - questo tema attraversa tutto il lavoro di Aivazovsky. Gli effetti del chiaro di luna, la luna stessa, circondata da nuvole chiare e trasparenti o che scrutava attraverso le nuvole strappate dal vento, è stato in grado di rappresentare con precisione illusoria. Le immagini della natura notturna di Aivazovsky sono una delle immagini più poetiche della natura nella pittura. Spesso evocano associazioni poetiche e musicali.
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Insieme a I. Repin nel 1877, Aivazovsky creò il famoso dipinto "L'addio al mare di Pushkin. Esattamente dieci anni dopo, nell'anno del cinquantesimo anniversario della morte di A. S. Pushkin, nel 1887 Aivazovsky dipinse il dipinto "Pushkin sul Mar Nero". E anche il terzo appello al tema "Pushkin and the Sea" si svolge ad Aivazovsky, esattamente dieci anni dopo (tre anni prima della sua morte) nel 1897. Chiama l'immagine allo stesso modo: "Pushkin sul Mar Nero". Ha anche un secondo nome: "Addio, elemento libero ...". La quartina di Pushkin è scritta direttamente sulla tela. Non è simbolico scrivere "Addio" all'elemento libero tre anni prima della morte. L'artista, per così dire, ha detto addio al mare stesso! Nelle vesti di un poeta nella foto, Aivazovsky disegna senza dubbio i suoi lineamenti giovanili. Insieme a I. Repin nel 1877, Aivazovsky creò il famoso dipinto "L'addio al mare di Pushkin. Esattamente dieci anni dopo, nell'anno del cinquantesimo anniversario della morte di A. S. Pushkin, nel 1887 Aivazovsky dipinse il dipinto "Pushkin sul Mar Nero". E anche il terzo appello al tema "Pushkin and the Sea" si svolge ad Aivazovsky, esattamente dieci anni dopo (tre anni prima della sua morte) nel 1897. Chiama l'immagine allo stesso modo: "Pushkin sul Mar Nero". Ha anche un secondo nome: "Addio, elemento libero ...". La quartina di Pushkin è scritta direttamente sulla tela. Non è simbolico scrivere "Addio" all'elemento libero tre anni prima della morte. L'artista, per così dire, ha detto addio al mare stesso! Nelle vesti di un poeta nella foto, Aivazovsky disegna senza dubbio i suoi lineamenti giovanili.
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I porti turistici notturni di Aivazovsky sono unici. "Notte al chiaro di luna sul mare", "Moonrise" - questo tema attraversa tutto il lavoro di Aivazovsky. Gli effetti del chiaro di luna, la luna stessa, circondata da nuvole chiare e trasparenti o che scrutava attraverso le nuvole strappate dal vento, è stato in grado di rappresentare con precisione illusoria. Le immagini della natura notturna di Aivazovsky sono una delle immagini più poetiche della natura nella pittura. Spesso evocano associazioni poetiche e musicali. I porti turistici notturni di Aivazovsky sono unici. "Notte al chiaro di luna sul mare", "Moonrise" - questo tema attraversa tutto il lavoro di Aivazovsky. Gli effetti del chiaro di luna, la luna stessa, circondata da nuvole chiare e trasparenti o che scrutava attraverso le nuvole strappate dal vento, è stato in grado di rappresentare con precisione illusoria. Le immagini della natura notturna di Aivazovsky sono una delle immagini più poetiche della natura nella pittura. Spesso evocano associazioni poetiche e musicali.
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Il materiale contiene informazioni sul famoso pittore marino russo, pittore di battaglia, collezionista, filantropo Ivan Konstantinovich Aivazovsky, sul suo brillante talento. Si racconta la vita e il percorso creativo dell'artista. La caratteristica e l'analisi dei più opere famose Aivazovsky, vengono rivelate le caratteristiche della creatività di Ivan Konstantinovich. Vengono considerate la storia della creazione, la struttura figurativa e la composizione del dipinto "La nona onda". Questo materiale può essere utilizzato nelle lezioni di belle arti quando si studia l'argomento "Pittura del paesaggio", su Lezioni MHC e la storia mentre si impara cultura XIX secolo Materiale sulla vita e il lavoro di I.K. Aivazovsky
Cantante infuocato di mare Aivazovsky.docx
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Collezionista introduttivo, filantropo2, pittore di battaglie1, Ivan Konstantinovich Aivazovsky - il pittore marino russo più famoso in tutto il mondo, un eccezionale artista armeno del 19° secolo Il mare ha sempre avuto una grande attrazione per gli artisti. Non c'è un solo pittore russo che, essendo stato in riva al mare, non proverebbe a rappresentarlo. Per alcuni si trattava di schizzi episodici, non collegati al corso principale di sviluppo della loro arte, mentre altri tornavano di volta in volta su questo argomento, dedicando un posto significativo all'immagine del mare nei loro dipinti. Tra gli artisti della scuola russa, solo Ivan Konstantinovich Aivazovsky ha dedicato tutto il suo talento alla pittura marina. Per natura era dotato di un talento brillante, che si sviluppò rapidamente per circostanze fortunate e grazie all'ambiente in cui trascorsero la sua infanzia e giovinezza. Dedicando il suo brillante talento alla pittura marina, creò indimenticabili immagini poetiche del mare nelle sue più diverse manifestazioni. L'arte profondamente significativa e umanistica di Aivazovsky lo mise alla pari con i migliori maestri dell'arte realistica del 19° secolo. Aivazovsky è sopravvissuto a due generazioni di artisti e la sua arte copre un enorme periodo di tempo: sessant'anni di creatività. Partendo da opere sature di vivide immagini romantiche, Aivazovsky è arrivato a un'immagine penetrante, profondamente realistica ed eroica dell'elemento mare, creando il dipinto "Tra le onde". Fino all'ultimo giorno mantenne felicemente non solo una schietta vigilanza degli occhi, ma anche una profonda fede nella sua arte. Andò per la sua strada senza la minima esitazione e dubbio, conservando la lucidità dei sentimenti e del pensiero fino alla vecchiaia. Il lavoro di Aivazovsky era profondamente patriottico. I suoi meriti nell'arte sono stati notati in tutto il mondo. Fu eletto membro di cinque Accademie delle Arti e la sua uniforme da ammiraglio fu costellata di ordini onorari da molti paesi. L'arte di I. K. Aivazovsky non lascia nessuno indifferente. Molti dei suoi contemporanei apprezzarono molto il suo lavoro e l'artista I.N. Kramskoy ha scritto: "... Aivazovsky, qualunque cosa si dica, è una stella di prima grandezza, in ogni caso, e non solo con noi, ma nella storia dell'arte in generale ..." E ai nostri tempi, l'interesse per le opere dell'artista non si placa. Le sue tele sono costantemente vendute in varie aste (ad esempio, nel 2008 all'asta 1Batalist, un pittore di battaglie - un pittore che crea opere del genere di battaglia, cioè scene di battaglie terrestri e marittime, campagne militari e vita militare. 2Patron - un ricco mecenate delle scienze e delle arti. 3
"Sotheby's" due dipinti di Aivazovsky, "Distribuzione di cibo" e "Nave di aiuti", sono stati venduti per $ 2,4 milioni.) Scopo del lavoro: I.K. modo creativo I.K. Aivazovsky; 2. caratterizzare i dipinti più significativi dell'artista; 3. Analizzando le tele di Aivazovsky, identifica le caratteristiche della creatività 4. Considera la storia della creazione, la struttura figurativa e la composizione dell'artista del dipinto "The Ninth Wave" Lavorando al saggio, ho utilizzato le seguenti fonti: 1. Dolgopolov I. Maestri e capolavori 2. Enciclopedia dell'arte popolare 3. Ionina N.I. "Cento grandi dipinti" 4. Rivista "Capolavori della pittura russa" n. 2 (dedicata al lavoro di Aivazovsky) 5. Risorse Internet 4
1. Vita ed epoca Ivan Aivazovsky nacque il 17 (30) luglio 1817 a Feodosia in una famiglia armena. I suoi antenati, nel 18° secolo, in fuga dal genocidio scatenato dai turchi, fuggirono dall'Armenia occidentale in Polonia. Il padre dell'artista, Konstantin (Gevorg) Gaivazovsky, all'inizio del XIX secolo. si trasferì dalla Galizia alla Crimea. Un tempo commerciò con successo, ma l'epidemia di peste scoppiata nel 1812 a Feodosia lo rovinò - dopodiché la famiglia cadde in povertà e K. Gaivazovsky dovette raccogliere fondi per vivere nel bazar di Feodosia, agendo come capo del mercato . Nel libro delle nascite e dei battesimi della Chiesa armena feodosiana, il futuro artista è stato registrato come "Hovhannes, figlio di Georg Ayvazyan". Iniziò a firmare le sue opere con il suo solito cognome solo nel 1840. Il ragazzo crebbe vivace e intelligente: amava disegnare fin dalla tenera età. La vita di Onik, che non era diversa dalla vita dei ragazzi di città, cambiò quando i suoi disegni furono visti dal sindaco di Feodosia A.I. Kaznacheev, un uomo di grande cultura, un buon amico di AS Pushkin durante l'esilio meridionale del poeta. Fu grazie agli sforzi di Kaznacheev, che presto divenne governatore della provincia di Tauride, che Aivazovsky finì prima nella palestra di Simferopol (nel 1830) e poi nell'Accademia delle arti di San Pietroburgo (nel 1833). M. Vorobyov. Presto Aivazovsky attirò l'attenzione di K. Bryullov. È nell'opera di Bryullov che si dovrebbero cercare le origini del romanticismo di Aivazovsky. Presto si avvicina a Bryullov, Glinka e Kukolnik. Il socievole, spiritoso e bello Aivazovsky convergeva rapidamente con le persone: tra i suoi conoscenti troveremo A.S. Pushkin, I. Krylov e altri luminari dell'allora cultura nazionale. Il suo successo accademico è stato innegabile. Ha iniziato a dipingere il mare già all'Accademia: i suoi primi premi sono stati legati agli studi sul mare. Nel 1838, Aivazovsky, insignito della Grande Medaglia d'Oro, fu inviato in Crimea per due anni a lavoro indipendente. Nel 1839, il generale N.N. Raevsky invitò l'artista a prendere parte alle operazioni di sbarco di V. Zhukovsky e molti altri.
Flotta del Mar Nero al largo del Caucaso. Aivazovsky salpò tre volte: vi nacque il suo dipinto di battaglia e iniziò l'amicizia con M. Lazorev, V. Kornilov, P. Nakhimov, i futuri famosi ammiragli. Con loro ha mantenuto rapporti amichevoli per tutta la vita. Il coraggio e il coraggio mostrati da Aivazovsky in una situazione di combattimento durante lo sbarco a Subash hanno suscitato simpatia per l'artista tra i marinai e una corrispondente risposta a San Pietroburgo. Questa operazione viene catturata da lui nel dipinto "L'atterraggio a Subashi". Nel 1840, Aivazovsky fece un viaggio da pensionato all'estero "per un ulteriore miglioramento dell'arte". A quel tempo era già un affermato maestro di paesaggi marini. Il successo di Aivazovsky in Italia e la fama europea che lo ha accompagnato durante un viaggio di lavoro hanno portato romantici paesaggi marini "Storm", "Chaos", "Napolitan Night" e altri. Questo successo è stato percepito a casa come un meritato tributo al talento e all'abilità dell'artista. I suoi anni italiani sono una serie di successi che pongono l'artista in prima linea nella pittura europea. In Italia, Aivazovsky divenne amico di V. Gogol. Nel 1843, dopo che Aivazovsky ricevette la medaglia d'oro dell'Accademia di Francia, O. Vernet gli disse: "Il tuo talento glorifica la tua patria" - con queste parole, indicando accuratamente il significato dell'attività "europea" del pittore. Nel 1857, Aivazovsky fu forse il primo tra gli artisti stranieri a diventare un cavaliere dell'Ordine francese della Legion d'Onore. Dal 1844 Aivazovsky è in Russia. Immediatamente al suo ritorno, gli fu conferito il titolo di accademico, assegnato allo Stato Maggiore della Marina Militare con il diritto di indossare l'uniforme dell'Ammiragliato.Gli fu dato un "ordine ampio e complesso" - per dipingere tutti i porti militari russi sul Mar Baltico . Ma la vita di Pietroburgo non era di gradimento dell'artista. "Un piccolo respiro in primavera mi attira in Crimea, nel Mar Nero". L'anno successivo, acquistò un appezzamento di terreno a Feodosia e iniziò a costruirvi una casa con un grande laboratorio. Ben presto, con sorpresa del pubblico di San Pietroburgo, Aivazovsky lasciò la capitale e si trasferì a Feodosia, nonostante il successo, i riconoscimenti ei numerosi ordini, il desiderio della famiglia imperiale di farne un pittore di corte. La pittura di Aivazovsky degli anni Quaranta e Cinquanta è stata caratterizzata da una forte influenza delle tradizioni romantiche di K.P. Bryullov, che ha influenzato non solo l'abilità della pittura, ma anche la stessa comprensione dell'arte e la visione del mondo di Aivazovsky. Come Bryullov, si sforza di creare grandiose tele colorate che possano glorificare l'arte russa. Con Bryullov, Aivazovsky è legato da brillanti abilità pittoriche, tecnica virtuosa, velocità e coraggio nell'esecuzione. Ciò si rifletteva molto chiaramente in uno dei primi dipinti di battaglia "Chesme Battle", scritto da lui nel 1848, dedicato a un'eccezionale battaglia navale. Nei salotti di San Pietroburgo e nel matrimonio di Aivazovsky sono stati causati discorsi rumorosi. Innamorato appassionatamente dell'inglese Yulia Grevs, figlia di un medico di San Pietroburgo che ha servito come governante, "in due settimane", 6
con le sue stesse parole, decise la cosa, sebbene - con la sua fama, prosperità e aspetto spettacolare - avrebbe potuto benissimo scegliere come moglie una ragazza di nobile nascita. Quattro figlie sono nate in questo matrimonio. All'inizio, la vita familiare era piuttosto prospera: Yulia Yakovlevna, a quanto pareva, condivideva le opinioni di suo marito e accettava persino Partecipazione attiva negli scavi archeologici vicino a Feodosia, intrapresi da Aivazovsky nel 1853. Nel frattempo, la famiglia presto crollò. La moglie di Aivazovsky si annoiò rapidamente nelle province e, avendo vissuto con l'artista per 11 anni, lo lasciò per Odessa: la loro ulteriore relazione fu molto difficile: Yulia Yakovlevna si lamentò di Aivazovsky con lo zar e in ogni modo gli impedì di comunicare con il suo figlie. Nei suoi anni in declino, la felicità familiare sorrise comunque all'artista. Nel 1822 sposò Anna Nikitichna Sarkizova, la giovane vedova di un mercante di Feodosia. Anna Nikitichna aveva quasi 40 anni meno di Aivazovsky, il che non le ha impedito di diventare un'amica fedele e un'interlocutrice comprensiva. A Feodosia, l'artista è stato onorato come il "padre della città". Ha insistito per costruire un porto a Feodosia e tenere ferrovia, eresse l'edificio del museo storico e archeologico, fondò una pinacoteca, risolse il problema dell'approvvigionamento della città bevendo acqua. L. Lagorio, M. Latry, A. Fessler, K. Bogaevsky, M. Voloshin e altri sono passati attraverso i "Laboratori d'arte generali" aperti da Aivazovsky (una specie di ramo di Feodosia dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo). Durante la sua lunga vita, Aivazovsky fece numerosi viaggi: visitò più volte l'Italia, Parigi e altre città europee, lavorò nel Caucaso, salpò verso le coste dell'Asia Minore, fu in Egitto e, alla fine della sua vita, in 1898, fece un lungo viaggio in America. Durante i viaggi per mare, arricchisce le sue osservazioni e i disegni si accumulano nelle sue cartelle. Ma ovunque fosse Aivazovsky, era sempre attratto dalla sua nativa Feodosia. "Il mio indirizzo è sempre a Feodosia", scrisse a P. Tretyakov. Con lo sviluppo della scuola realistica nella pittura russa, le posizioni creative di Aivazovsky, che continuarono a lavorare nello stile del romanticismo, furono alquanto scosse. Ma ogni volta che iniziavano a parlare a voce troppo alta che Aivazovsky era antiquato, che si ripeteva, sfruttando lo stesso insieme di tecniche consolidate, l'artista mostrava un nuovo quadro che rendeva queste voci del tutto inadeguate. Così è stato con i suoi capolavori "Arcobaleno" (1873), "Mar Nero" (1881), "Tra le onde" (1898) La vita di Aivazovsky procedeva con calma a Feodosia, senza eventi luminosi. In inverno, di solito si recava a San Pietroburgo, dove organizzava mostre delle sue opere. Le mostre personali, che hanno portato ad Aivazovsky un introito considerevole, si sono susseguite: in termini di numero totale (più di 120 mostre), è il detentore del record assoluto non solo nella pittura nazionale, ma, forse, mondiale. Il tramonto di Ivan Aivazovsky era luminoso. "La felicità mi sorrise" - come - 7
poi ha rimarcato la sua vita, piena di lavoro e di successo. Aivazovsky morì a casa - 19 aprile (2 maggio, secondo un nuovo stile), 1900. Secondo la volontà di Aivazovsky, fu sepolto a Feodosia, nel cortile della chiesa di Surb Sargis, dove fu battezzato e dove si è sposato. L'iscrizione sulla lapide - scolpita nelle antiche parole armene dello storico del V secolo Movses Khorenatsi - recita: "Nato mortale, ha lasciato un ricordo immortale". Questa memoria è custodita con gratitudine da generazioni. 2. Stile e tecnica dell'artista La maggior parte delle immagini del mare create da Aivazovsky sono sogni nati dall'immaginazione dell'artista. Solo nella seconda metà della sua vita ha cercato di allineare il suo sistema estetico alle esigenze del realismo3. Tra i maestri che hanno influenzato la formazione dei modi di Aivazovsky, tre dovrebbero essere individuati: Claude Lorrain, Silverst Shchedrin e Karl Bryullov. La tecnica di Aivazovsky era basata sul lavoro a memoria. Ciò corrispondeva anche alle sue aspirazioni romantiche, al desiderio di trasmettere nelle sue opere la poesia della natura, che sentiva sempre acutamente, e i propri sentimenti che accompagnano la tranquilla contemplazione della natura. Per questo, era necessario avere una memoria fenomenale rispetto al 3Realismo nella letteratura e nell'arte di Aivazovsky, un riflesso veritiero e oggettivo della realtà con mezzi specifici inerenti all'uno o all'altro tipo di creatività artistica. otto
è stato dotato dalla nascita. Questo desiderio è stato dettato dalla "scrittura corsiva" dell'artista: per trasferire un sentimento diretto sulla tela, ha dovuto lavorare rapidamente e in grandi quantità, altrimenti il fascino originale sarebbe scomparso. A poco a poco apparvero formule più precise della sua religione artistica: “Un pittore che copia solo la natura diventa suo schiavo, legato mani e piedi. Il movimento degli elementi viventi è impercettibile al pennello: la scrittura di fulmini, una folata di vento, lo scroscio di un'onda è impensabile dalla natura. Per fare questo, l'artista deve memorizzarli... La trama dei dipinti si forma nella mia memoria, come un poeta; fatto uno schizzo su un pezzo di carta, mi metto al lavoro e fino ad allora non lascio la tela finché non mi esprimo su di essa con un pennello ... "Secondo le esigenze del realismo moderno, che poi è arrivato al prima nella pittura russa, Aivazovsky modernizzò lo stile di scrittura senza cambiare allo stesso tempo, alle sue intime preferenze artistiche e rimanendo all'interno di quel sistema artistico consolidato che chiamiamo il mondo di Aivazovsky.L'artista ha notevolmente attenuato la tavolozza, che in precedenza stupiva per la sua luminosità sfrenata e rendeva il suo lavoro inutilmente teatrale. Si rivolse a relazioni cromatiche morbide, transizioni sottili, pittura quasi monocromatica. Aivazovsky scelse specificamente giorni uggiosi per l'osservazione, quando il mare non brilla di tutti i colori dell'arcobaleno, e il confine tra acqua e cielo si perde in una foschia grigia e richiede all'artista che lo dipinge di maneggiare abilmente i mezzitoni più fini.Il soggetto del suo lavoro si è anche ampliato - insieme ai soliti paesaggi marini di Aivazovsky hanno cominciato ad apparire "asciutti foto in viaggio". Tutte le opere di Aivazovsky hanno una caratteristica che conferisce loro un fascino speciale. Ovunque - anche nelle immagini più "furiose" create dall'artista, si può vedere un indispensabile raggio di luce che irrompe attraverso le interruzioni delle nuvole. Questo dettaglio era estremamente importante per l'artista. Secondo i contemporanei di Aivazovsky, iniziò a dipingere ogni immagine dal cielo e, indipendentemente dalle dimensioni della tela, completò questa parte in una sessione. Uno spettatore attento non nasconderà il fatto che l'oceano d'aria, penetrato dalla luce solare, interessava Aivazovsky non meno di quello acquatico. I dipinti dell'artista sono chiamati "paesaggi marini", ma non sarebbe sbagliato chiamarli "paesaggi celesti". Ivan Aivazovsky considerava le sue migliori tele quelle in cui la forza principale è la luce del sole. Per lui non c'erano segreti su come scrivere, come trasmettere il movimento di un'onda, la sua trasparenza, come rappresentare una rete leggera e sparsa di schiuma che cade sulle curve delle onde. Sapeva perfettamente come trasmettere il rollio delle onde sulla spiaggia sabbiosa, in modo che lo spettatore potesse vedere la sabbia costiera che brilla attraverso l'acqua schiumosa. Conosceva molte tecniche per rappresentare le onde che si infrangono sulle rocce costiere. Infine, ha compreso a fondo i vari stati dell'ambiente aereo, il movimento delle nuvole e delle nuvole. Tutto questo lo ha aiutato a incarnare brillantemente il suo 9
idee pittoriche e creare opere luminose e artisticamente eseguite. 3. Aivazovsky - un maestro insuperabile del paesaggio marino era per lui libro delle stelle chiaro E l'onda del mare gli parlò 10
La visione del mondo romantica di Aivazovsky si è manifestata in modo particolarmente chiaro in una serie dedicata alla storia della Marina russa: in essa ha raffigurato tutte le battaglie più importanti dei marinai russi. Queste tele sono state dipinte dall'artista con abilità. Conosceva perfettamente il dispositivo e il design delle navi da guerra grazie alla sua partecipazione alle manovre della flotta baltica nel 1836, all'operazione di sbarco di M. Lazarev al largo della costa caucasica nel 1839, alla spedizione dell'ammiraglio Litke nelle isole greche arcipelago nel 1845. Aivazovsky creò una serie di eccellenti tele raffiguranti battaglie navali. Le immagini delle battaglie navali di Aivazovsky sono diventate una cronaca delle imprese della marina russa, riflettono vividamente le vittorie storiche della flotta russa, le leggendarie imprese dei marinai russi e dei comandanti navali: "Pietro I sulle rive del Golfo di Finlandia" (1846), "Battaglia di Chesme" (1848), "Navarinoboy" (1848), "Brig "Mercury" sta combattendo con due navi turche" (1892) e altri. Ma lo spirito dell'eroismo epico non è alimentato solo dai dipinti di battaglia di Aivazovsky. Le sue migliori opere romantiche della seconda metà degli anni 40-50 sono: "Tempesta sul Mar Nero" (1845), "Monastero di San Giorgio" (1846), "Ingresso alla baia di Sebastopoli" (1851). Negli anni '60 dell'Ottocento, Aivazovsky ampliò i temi del suo lavoro. Passando alle trame "di terra". Questa mossa non è stata inaspettata. Proprio in quel momento iniziarono le accuse contro di lui di poter scrivere solo "onde". luogo comune, e l'artista doveva dimostrare che il suo talento è abbastanza universale. Aivazovsky aveva una mente vivace e reattiva e nel suo lavoro si possono trovare dipinti su un'ampia varietà di argomenti.Diversi paesaggi ucraini uscirono dal suo pennello: "Chumatsky Convoy" (1868), "Ukrainian Landscape" (1868), " Mulini a vento nelle steppe ucraine al tramonto” (1862) e altri, avvicinandosi al paesaggio dei maestri del realismo ideologico russo. La steppa ucraina ha affascinato a lungo Aivazovsky (dal suo primo viaggio a San Pietroburgo). Questo amore traspare in queste opere. La vicinanza di Aivazovsky a Gogol, Shevchenko, Sternberg ha giocato un ruolo in questo attaccamento all'Ucraina. "Matrimonio in Ucraina" (1891) - forse il più famoso paesaggio "terrestre" di Aivazovsky. In essa sono evidenti gli elementi di una pittura di genere, a testimonianza di una certa curiosità etnografica dell'artista. Ma anche qui la “vita quotidiana” si rivela per nulla “quotidiana” – l'emotività romantica traspare nella rappresentazione di una festa rurale che accompagna il matrimonio degli sposi novelli. La festa dell'atmosfera è sottolineata da macchie luminose di vestiti, in contrasto con i toni delle nuvole pre-temporalesche, che galleggiano pesantemente sul villaggio. Nei paesaggi ucraini, lo spettatore scoprirà le migliori caratteristiche inerenti ai paesaggi marini di Aivazovsky: costruzione prospettica virtuosa, trasparenza e raffinatezza della tavolozza, eccitazione romantica. Eppure - queste immagini sono chiaramente inferiori alle immagini dell'elemento mare creato da lui. undici
La pittura di Aivazovsky è, per la maggior parte, la pittura di tempeste e tempeste; l'elemento marino nelle sue opere ribolle e infuria, distrugge navi, solleva onde giganti, si infrange in una miriade di schizzi. I dipinti dell'artista suonano quasi: frusciano con la risacca, sbattono con le vele a brandelli, ululano con un vento selvaggio. Aivazovsky, che ha scritto tempeste per decenni, nelle sue opere migliori, come "Storm on the Arctic Ocean" (1864) o "Ship" Empress Maria "(1892) - non diventa monotono. Ogni tempesta di Aivazovsky ha il suo volto, il suo divenire, le sue abitudini. Per quanto riguarda uno di questi dipinti di Aivazovsky F.M. Dostoevskij ha scritto: "La tempesta ... del signor Aivazovsky ... è straordinariamente buona, come tutte le sue tempeste, ed eccolo un maestro - senza rivali ... C'è estasi nella sua tempesta, c'è quella bellezza eterna che stupisce lo spettatore in un vero e proprio temporale...” [ ; ] L'anno 1867 è associato a un grande evento di grande significato sociale e politico: la rivolta degli abitanti dell'isola di Creta, che era in possesso vassallo del Sultano. Questa è stata la seconda ascesa (durante la vita di Aivazovsky) nella lotta di liberazione del popolo greco, che ha causato un'ampia risposta comprensiva tra le persone di mentalità progressista di tutto il mondo. Aivazovsky ha risposto a questo evento con un ampio ciclo di dipinti. Nel 1868 Aivazovsky intraprese un viaggio nel Caucaso. Dipinse le pendici del Caucaso con una catena di perle di montagne innevate all'orizzonte, panorami di catene montuose che si estendono in lontananza come onde pietrificate, la gola di Darial e il villaggio di Gunib, sperduto tra le montagne rocciose, l'ultimo nido di Shamil . In Armenia dipinse il lago Sevan e la valle dell'Ararat. Ha creato diversi bellissimi dipinti raffiguranti le montagne del Caucaso dalla costa orientale del Mar Nero. L'anno successivo, 1869, Aivazovsky si recò in Egitto per partecipare alla cerimonia di apertura del Canale di Suez. Come risultato di questo viaggio, è stato dipinto un panorama del canale e sono stati creati numerosi dipinti che riflettono la natura, la vita e la vita dell'Egitto, con le sue piramidi, sfingi, carovane di cammelli. Nel 1870, quando il cinquantesimo anniversario della scoperta dell'Antartide da parte dei navigatori russi F.F. Bellingshausen e M.P. Lazarev, Aivazovsky dipinse il primo quadro raffigurante il ghiaccio polare: "Le montagne di ghiaccio in Antartide". Questa immagine è un esempio illustrativo delle opere "composte" dell'artista. Nel frattempo, nei dettagli e nei dettagli, è assolutamente preciso. Lavorando su di esso, il maestro ha ricordato le storie dell'ammiraglio Lazarev, con il quale - durante il suo servizio come comandante della flotta del Mar Nero - era amico. Durante la celebrazione di Aivazovsky in occasione del cinquantesimo anniversario della sua opera, P. P. Semenov-Tyan-Shansky ha detto nel suo discorso: "La Società geografica russa ti ha riconosciuto da tempo, Ivan Konstantinovich, come una figura geografica eccezionale ..." e in effetti, molti dei dipinti di Aivazovsky combinano merito artistico e grande valore cognitivo. "Arcobaleno". Non c'è nulla nella trama di questa immagine: una tempesta in mare e una nave che affonda vicino a una costa rocciosa.
insolito per il lavoro di Aivazovsky. Ma la sua gamma colorata, l'esecuzione pittoresca era un fenomeno completamente nuovo nella pittura russa degli anni Settanta. Raffigurando questa tempesta, Aivazovsky la mostrò come se fosse lui stesso tra le onde furiose. Un uragano spazza via la nebbia dalle loro creste. Come in un turbine impetuoso, la sagoma di una nave che affonda ei contorni indistinti di una costa rocciosa sono appena visibili. Le nuvole nel cielo si dissolsero in un velo umido e trasparente. Un flusso ha sfondato questo caos luce del sole, giacciono come un arcobaleno sull'acqua, conferendo al colore dell'immagine una colorazione multicolore. L'intera immagine è scritta nelle migliori sfumature di blu, verde, rosa e viola. Gli stessi toni, leggermente esaltati nel colore, trasmettono l'arcobaleno stesso. Sfarfalla con un miraggio appena percettibile. Da questo, l'arcobaleno ha acquisito quella trasparenza, morbidezza e purezza di colore, che sempre delizia e incanta nella natura. Il dipinto "Rainbow" era un nuovo livello superiore nel lavoro di Aivazovsky. Nell'opera di Aivazovsky negli anni Settanta, si può rintracciare l'aspetto di una serie di dipinti raffiguranti il mare aperto a mezzogiorno, dipinti in colori blu. La combinazione di freddi toni di blu, verde e grigio dà la sensazione di una fresca brezza, che solleva un'allegra mareggiata sul mare, e l'ala argentata di una barca a vela, che spumeggia un'onda trasparente e smeraldo, evoca involontariamente l'immagine poetica di Lermontov: Una vela solitaria diventa bianco... Tutta la bellezza di questi dipinti sta nella chiarezza cristallina, nella brillantezza che irradiano. Non c'è da stupirsi che questo ciclo di dipinti sia chiamato "Aivazovsky blu". Gli stati di natura "ultimi" e "misteriosi" hanno sempre attratto i romantici - questo spiega l'enorme popolarità dei "notturni" nel loro lavoro. Aivazovsky non ha fatto eccezione. Inoltre, quasi nessuno può confrontarsi con lui nella rappresentazione delle notti illuminate dalla luna. I dipinti di Aivazovsky sono caratterizzati dal miglior sviluppo del colore e dalla meticolosa costruzione della composizione. "Moonlit Night at the Sea", "Moonrise" - questo tema attraversa tutto il lavoro di Aivazovsky. Gli effetti del chiaro di luna, la luna stessa, circondata da nuvole chiare e trasparenti o che scrutava attraverso le nuvole strappate dal vento, è stato in grado di rappresentare con precisione illusoria. Le immagini della natura notturna di Aivazovsky sono una delle immagini più poetiche della natura nella pittura. Spesso evocano associazioni poetiche e musicali. Aivazovsky era vicino a molti Vagabondi. Il contenuto umanistico della sua arte e la sua brillante maestria furono molto apprezzati da Kramskoy, Repin, Stasov e Tretyakov. Nelle loro opinioni sul significato sociale dell'arte, Aivazovsky e i Vagabondi avevano molto in comune. Molto prima dell'organizzazione di mostre itineranti, Aivazovsky iniziò a organizzare mostre dei suoi dipinti a San Pietroburgo, Mosca e in molti altri grandi città Russia. Nel 1880 Aivazovsky aprì la prima galleria d'arte periferica in Russia a Feodosia. Sotto l'influenza dell'avanzata arte russa dei Vagabondi, le caratteristiche realistiche di questa serie si manifestarono con particolare forza nell'opera di Aivazovsky, 13
ha reso le sue opere ancora più espressive e significative. Apparentemente, quindi, è diventata consuetudine considerare i dipinti di Aivazovsky degli anni Settanta il risultato più alto del suo lavoro. Ora per noi è abbastanza chiaro il processo di crescita continua della sua abilità e approfondimento del contenuto delle immagini pittoresche delle sue opere, che è proseguito per tutta la sua vita. 4. Opere famose Aivazovsky fu un artista straordinariamente prolifico, dipinse oltre 6.000 dipinti nella sua vita. La parte del leone cade sui paesaggi marini, più di due terzi, sull'immagine di tempeste e tempeste. Questa è un'intera enciclopedia del mare. Nonostante l'accuratezza dei dettagli e l'autenticità realistica, l'artista non ha quasi mai dipinto dalla natura, non ha realizzato schizzi per dipinti e molto raramente ha utilizzato schizzi preparatori. E non era un capriccio di un genio, ma una posizione di principio. 4.1. Battaglia di Chesma (1848) Aivazovsky, nominato nel 1844 "pittore dello stato maggiore della marina", si occupò, oltre alle vedute dei porti settentrionali russi, della pittura storica delle battaglie. Le vittorie dei marinai russi lo hanno deliziato, era così amico della flotta russa che quando nel 1846 l'artista ha celebrato il decimo anniversario della sua attività creativa, un intero squadrone al comando di V. Kornilov, il futuro eroe della difesa di Sebastopoli , venne a Feodosia per salutarlo. L'immagine spettacolare "Battaglia di Chesme" racconta allo spettatore l'episodio più importante Guerra russo-turca 1768-1774 Nel giugno 1770, lo squadrone unito russo bloccò la flotta turca, allora considerata una delle più forti al mondo, nella baia di Chesme e nella notte del 26 giugno la distrusse quasi completamente. I turchi persero 10mila persone in questa battaglia - solo 11. Il comandante della flotta, il conte A. Orlov, riferì questa "vittoria" a Caterina II: "abbiamo attaccato la flotta nemica, l'abbiamo sconfitta, l'abbiamo rotta, bruciata, lasciata andate in paradiso, lo ridusse in cenere: cominciò ad essere dominante in tutto l'arcipelago. Fu stabilito il controllo sui Dardanelli. Il desiderio di effetti luminosi si rivela nel modo in cui l'artista dipinge la luna, la cui luce fredda contrasta con il bagliore infuocato dell'acqua. La nave turca è raffigurata al momento dell'esplosione. Lampi di fiamme, sbuffi di fumo, detriti che volano verso l'alto sono scritti in modo così efficace che sembra tutto un'illuminazione festosa. Una barca con un gruppo del tenente Ilyin si sta avvicinando all'ammiraglia della flotta russa, di appena 14 anni
che fece esplodere il suo firewall - questo era il nome di speciali navi "kamikaze" piene di esplosivi combustibili. I marinai turchi stanno cercando di scappare sul relitto della nave. La "grazia" generale del gruppo indica le fonti "accademiche" (tra le altre) del lavoro di Aivazovsky. 4.2. Rainbow (1873) A partire dagli anni Sessanta dell'Ottocento, il modo di scrivere "improvvisato" di Aivazovsky, che non copiava il mondo dalla natura, ma sembrava ricordarlo e persino comporlo, entrò in conflitto con le ultime tendenze della pittura russa contemporanea. L'espressione di queste nuove tendenze fu l'organizzazione a cavallo tra il 1860 e il 1870 dell'Associazione delle Mostre d'Arte Itinerante. I Wanderers professavano un duro realismo, preferendo opere socialmente significative a tele romanticamente agitate. Allo stesso tempo, i critici hanno parlato ad alta voce del fatto che il talento di Aivazovsky si era esaurito, si stava ripetendo e, in generale, non poteva scrivere altro che onde. La risposta a queste accuse è stata il dipinto "Rainbow", che ha segnato una nuova tappa nel lavoro dell'artista. Da un lato, abbiamo un altro "naufragio" di Aivazovsky. Ma, d'altra parte, non è affatto come i suoi precedenti “naufraghi” e “tempeste”. Senza abbandonare i propri principi, in questo lavoro li modernizza notevolmente - questo è particolarmente evidente nella combinazione di colori della tela. I primi colori "esagerati" (secondo le stesse parole dell'artista) lasciano il posto a una combinazione di colori più contenuta e allo stesso tempo più sottilmente sviluppata. Meno "invenzione", più realismo: questa è una replica ovvia della mater in un dialogo con la modernità. Sebbene la tensione romantica rimanga un tratto caratteristico di questo lavoro. Raffigurando questa tempesta, Aivazovsky la mostrò come se fosse lui stesso tra le onde furiose. Il vento di un uragano strappa loro la schiuma bianca, sollevando polvere d'acqua in una colonna. Come in un turbine impetuoso, la sagoma di una nave che affonda ei contorni indistinti di una costa rocciosa sono appena visibili. La nave inclinata sta lentamente affondando nelle profondità del mare. Apparentemente, la nave ha colpito le barriere coralline vicino alla riva: questa è stata la causa del naufragio. Le persone fuggite dalla nave si sono congelate in varie pose sulla barca, dipinta in primo piano, che è più chiara della schiena. Uno di loro alzò la mano, indicando l'arcobaleno scintillante. Le nuvole nel cielo si dissolsero in un velo umido e trasparente. In questo caos si fece strada un flusso di luce solare, che si adagiò come un arcobaleno sull'acqua, conferendo al colore dell'immagine una colorazione multicolore. Un arcobaleno, che brilla in modo trasparente e leggermente evidente sullo sfondo di un temporale, sembra un miraggio. L'artista ottiene questo effetto da un'abile combinazione di sfumature di diversi colori. L'intera immagine è scritta nelle migliori sfumature di blu, verde, rosa e viola. Con gli stessi toni, leggermente esaltati nel colore, 15
l'arcobaleno stesso. Sfarfalla con un miraggio appena percettibile. Da questo, l'arcobaleno ha acquisito quella trasparenza, morbidezza e purezza di colore, che sempre delizia e incanta nella natura. Il dipinto "Rainbow" era un nuovo livello superiore nel lavoro di Aivazovsky. 4.3. Mar Nero (1881) Nel 1881, Aivazovsky creò una delle opere più significative: il dipinto "Mar Nero". Il mare è raffigurato in una giornata nuvolosa; le onde, che si alzano all'orizzonte, si muovono verso lo spettatore, creando con la loro alternanza un ritmo maestoso e una struttura sublime dell'immagine. È scritto in uno schema di colori avaro e sobrio che ne esalta l'impatto emotivo. Non c'è da stupirsi che Kramskoy abbia scritto di questo lavoro: "Questo è uno dei dipinti più grandiosi che io conosca" [ ; ] La metafisica più profonda si nasconde dietro il realismo esteriore di questa tela. "Mare" e "cielo": questi sono i suoi due personaggi principali. La trama è il loro confronto e la loro unità. Il "Mar Nero" si distingue per una sorta di ritmo irrevocabile che corrisponde all'eterno respiro misurato del mondo e si manifesta esternamente in onde che si sostituiscono ritmicamente a vicenda. L'artista ha mostrato per la prima volta l'immagine alla mostra dell'Accademia delle arti con un titolo narrativo leggermente diverso: "Una tempesta inizia a manifestarsi sul Mar Nero". In seguito ha escluso la narrativa, abbreviando il titolo al preciso e capiente "Mar Nero" e sottolineando così la volontà di presentare nel quadro un'immagine realistica e allo stesso tempo estremamente generalizzata dell'elemento mare. Nubi pesanti fluttuano nel cielo, minacciando una tempesta vicina. Il sole splende attraverso gli spazi tra di loro. La sagoma di una nave lontana è l'unico segno di presenza umana nel mondo. Sembra - rispetto alla forza interna degli elementi raffigurati - timido e inaffidabile. La linea dell'orizzonte separa e allo stesso tempo collega il mare e il cielo in un tutt'uno. Lì, in lontananza, il mare sembra calmo, in contrasto con le onde, che si rincorrono più prepotentemente in primo piano. Le creste delle onde più vicine sono fortemente evidenziate. Queste linee di luce, in file parallele, andando in lontananza, scandiscono il ritmo dell'immagine, simile a un passo impressionante. I. Kramskoy era un grande fan di questo lavoro - lo ha persino incluso nel suo famoso dipinto "Inconsolable Grief", posizionalo dietro la schiena dell'eroina e ne fa una specie di "specchio" delle sue esperienze emotive. "Aivazovsky ha cose fenomenali, ad esempio" The Sea ". Questo è uno dei dipinti più grandiosi che io conosca." Il dipinto testimonia che Aivazovsky ha potuto vedere e sentire la bellezza dell'elemento mare vicino a lui, non solo negli effetti pittorici esterni, ma anche nel ritmo sottile e rigoroso di lei respirazione, ha osservato Kramskoy, 16
il suo potere potenziale chiaramente tangibile. Stasov scrisse molte volte di Aivazovsky. Non era d'accordo con molte cose nel suo lavoro. In particolare si ribellò violentemente al metodo di improvvisazione di Aivazovsky, alla facilità e velocità con cui creava i suoi dipinti. Eppure, quando è stato necessario dare una valutazione generale e obiettiva dell'arte di Aivazovsky, ha scritto: "Il pittore marino Aivazovsky, per nascita e per natura, era un artista assolutamente eccezionale, che sentiva vividamente e trasmetteva in modo indipendente, forse, come nessuno altrimenti in Europa, l'acqua con le sue straordinarie bellezze” [ ; ] 4.4. Tra le onde (1898) È difficile, quasi impossibile credere che Aivazovsky fosse ottantaduesimo al momento della creazione di questo quadro. Nulla qui parla della fatica dell'anima o della senile debolezza delle mani: la potente musica di quest'opera incanta e affascina lo spettatore. Questa tela è diventata, per così dire, la "seconda serie" della maestosa immagine catturata dall'artista nel "Mar Nero". Lì, inizia una tempesta; qui - ha già giocato. Tale dipinto, quasi monocromatico, di Aivazovsky non sembra affatto monotono: sembra risplendere dall'interno di una profonda luce interiore. Sembra che l'artista abbia visto il suo testamento creativo in questa enorme tela: non l'ha mostrato in nessuna delle mostre organizzate negli ultimi due anni della sua vita e lo ha lasciato in eredità alla sua nativa Feodosia. Quando guardi questa immagine, si crea una sensazione di caos primordiale. Le onde crescenti si scontrano, si rompono, cadono, sollevando nuvole di polvere d'acqua. In questo lavoro non ci sono “punti di riposo” – tutto è in continuo movimento. Un raggio di sole, quasi una colonna di sole, rompe il velo delle nuvole di piombo qui, promettendo una fine anticipata della tempesta. Aivazovsky è sempre stato estremamente interessato al cambiamento negli stati naturali dell'elemento mare. Tra le nuvole e il mare impennato c'era uno stretto e profondo varco - e fa anche presagire l'imminente ritirata del maltempo. Ha abbandonato i soliti dettagli nei suoi dipinti sotto forma di frammenti di alberi e navi morenti perse nel mare sconfinato. Conosceva molti modi per drammatizzare le trame dei suoi dipinti, ma non ricorreva a nessuno di essi mentre lavorava a questo lavoro. L'immagine è dipinta in molteplici sfumature di grigio e verde-bluastro: una tale avarizia coloristica, caratteristica del defunto Aivazovsky, conferisce alle sue opere di questo periodo un fascino speciale. La maestria del dipinto "Tra le onde" è il frutto di un lungo e duro lavoro di tutta la vita dell'artista. Il lavoro su di esso è proceduto rapidamente e facilmente. Obbediente alla mano dell'artista, il pennello scolpiva esattamente la forma voluta dal maestro, e stendeva il colore sulla tela come l'esperienza dell'abilità e l'intuizione di un grande artista, che non correggeva la pennellata una volta messa , lo ha spinto. Apparentemente, lo stesso Aivazovsky era consapevole che il dipinto "Tra le onde" era molto più alto nell'esecuzione di tutti i lavori precedenti.
anni recenti. Nonostante il fatto che dopo la sua creazione abbia lavorato per altri due anni, organizzato mostre delle sue opere a Mosca, Londra e San Pietroburgo, non ha preso questo dipinto da Feodosia, lo ha lasciato in eredità, insieme ad altre opere che erano in sua galleria d'arte, alla sua città natale di Feodosia. Pertanto, indipendentemente dal periodo dell'attività di Aivazovsky a cui ci rivolgiamo, troveremo ovunque tele di eccezionale potenza, piene di autentica ispirazione: "La nona onda" (1850), "Il mare" (1864), "Arcobaleno" (1873) , “Mar Nero” (1881), “Tra le onde” (1898) e molti altri, sono il valore duraturo della sua eredità. 5. La nona ondata - un capolavoro dell'arte russa In Russia, questa è una delle opere più amate dell'arte russa, replicata in milioni di copie di riproduzioni. Inoltre, un'enorme popolarità gli è arrivata subito dopo i suoi 18 anni
la prima mostra al grande pubblico, tenutasi in autunno. 1850 presso la Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Il flusso di persone che volevano guardare la "Nona Onda" non si è esaurito, molti sono andati a guardarla più volte. Questo ricordava in qualche modo il pellegrinaggio che era avvenuto sedici anni prima a " ultimo giorno Pompei" di K. Bryullov. Non è un caso che Bryullov sia registrato come l'insegnante diretto di Aivazovsky, sebbene quest'ultimo abbia frequentato un seminario completamente diverso all'Accademia. Molto ha in comune questo capolavoro con i "Pompei" di Bryullov: entrambi questi dipinti furono la più alta fioritura del romanticismo nell'arte russa. Presto vennero altri tempi in cui le "passioni fatali" cessarono di essere popolari, lasciando il posto alla "verità della vita". Aivazovsky ha ottenuto molto dalle ultime critiche, ma anche il suo apologeta, V. Stasov, ha ammesso invariabilmente che "il pittore marino Aivazovsky era un artista assolutamente eccezionale per nascita e per natura". dipinto in diversi periodi della vita, si possono rintracciare tratti di romanticismo e realismo. I tratti romantici erano particolarmente pronunciati nel dipinto "La nona onda". Aivazovsky raffigurava una mattina presto dopo una notte tempestosa. I primi raggi del sole illuminano l'oceano in tempesta e un'enorme nona onda, pronta a precipitare su un gruppo di persone in cerca di salvezza sulle macerie degli alberi. La cresta della nona onda si erge minacciosa sopra le persone che cercano di scappare sui relitti della nave. Secondo antiche credenze marittime. Nelle onde che si susseguono durante una tempesta, ogni nona diventa la più potente e terribile - da qui il nome dell'immagine. Come nella maggior parte delle immagini "tempestose" di Aivazovsky, il sole è presente: rompe ostinatamente il velo delle nuvole e della polvere d'acqua, promettendo una giornata limpida e la pacificazione salvifica degli elementi. E qui Aivazovsky ancora una volta il romantico non rimpiange i colori. I sopravvissuti alla notte tempestosa stanno combattendo disperatamente contro gli elementi. E sebbene la nona ondata incombe su di loro, minacciandoli di morte, la tela è più "bella" che "tragica" - e questo suona ancora una volta come una chiara eco dell'accademismo. L'acqua agitata brilla, riflettendo i raggi del sole. L'autore, applicando rapidamente tratti (e Aivazovsky scrisse "La nona ondata in undici giorni, senza cambiare la sua regola di improvvisazione" scrittura corsiva"), come se ammirasse la sua creazione - lo spettatore, sentendolo, crede ancora meno nella tragedia del trama presentata. Aivazovsky incide magistralmente la schiuma furiosa della nona onda. Se dividiamo l'intera immagine in nove frammenti uguali con quattro linee (due orizzontali e due verticali), la parte superiore del nono albero cadrà nel punto di intersezione delle linee verticali sinistra e orizzontali inferiori. Una costruzione così chiara della composizione testimonia le ben dotte lezioni "accademiche". Aivazovsky ha trovato i mezzi esatti per rappresentare la grandezza, il potere e la bellezza del mare. Nonostante il dramma della trama, l'immagine non lascia un'impressione cupa; al contrario, è piena di luce e aria e tutto 19
penetrato dai raggi del sole, conferendogli un carattere ottimista. Ciò è in gran parte facilitato dalla struttura del colore dell'immagine. È scritto nei colori più brillanti della tavolozza. La sua colorazione comprende un'ampia gamma di sfumature di giallo, arancione, rosa e viola nel cielo, combinate con il verde, il blu e il viola nell'acqua. La scala di colori brillante e principale dell'immagine suona come un inno gioioso al coraggio delle persone che sconfiggono le forze cieche di un elemento terribile, ma bellissimo nella sua formidabile grandezza. Questa immagine ha trovato un'ampia risposta al momento della sua apparizione e rimane fino ad oggi una delle più popolari nella pittura russa. L'immagine degli elementi del mare in tempesta ha eccitato l'immaginazione di molti poeti russi. Questo si riflette chiaramente nei versi di Baratynsky. La volontà di combattere e la fede nella vittoria finale risuonano nelle sue poesie: Così ora, oceano, desidero ardentemente le tue tempeste - Eccitati, sali su bordi di pietra, Mi diverte, il tuo formidabile, selvaggio ruggito, Come il richiamo di un lungo- battaglia desiderata, Come un potente nemico per me qualcosa di lusinghiero rabbia ... In questo modo, il mare entrò anche nella coscienza formata del giovane Aivazovsky. L'artista è riuscito a incarnare nella pittura marina i sentimenti ei pensieri che agitavano le persone progressiste del suo tempo e a dare un significato e un significato profondi alla sua arte. venti
6. Opere grafiche di Ivan Aivazovsky Parlando del lavoro di Aivazovsky, non si può fare a meno di soffermarsi sul grande patrimonio grafico lasciato dal maestro, perché i suoi disegni sono di grande interesse, sia dal lato della loro esecuzione artistica, sia per la comprensione della creatività dell'artista metodo. Aivazovsky ha sempre dipinto molto e volentieri. Tra i disegni a matita, spiccano per matura abilità opere risalenti agli anni Quaranta, al tempo del viaggio accademico del 1840-1844 e della navigazione al largo delle coste dell'Asia Minore e dell'Arcipelago nell'estate del 1845. I disegni di questo poro sono armoniosi in termini di distribuzione compositiva delle masse e si distinguono per una rigorosa elaborazione dei dettagli. Grandi formati dei fogli e completezza grafica parlano Grande importanza, che Aivazovsky ha allegato ai disegni fatti dal vero. Queste erano principalmente immagini di città costiere. Con una grafite dura e tagliente, Aivazovsky dipinse edifici cittadini aggrappati alle sporgenze montuose, che si allontanavano in lontananza, o singoli edifici che gli piacevano, includendoli nei paesaggi. Usando i mezzi grafici più semplici - una linea, quasi senza usare il chiaroscuro, ha ottenuto i migliori effetti e un accurato trasferimento di volume e spazio. I disegni che realizzava durante i suoi viaggi lo hanno sempre aiutato nel suo lavoro creativo. Nella sua giovinezza, usava spesso i disegni per comporre dipinti senza alcuna modifica. Successivamente, li ha elaborati liberamente e spesso lo hanno servito solo come primo impulso per l'attuazione di idee creative. La seconda metà della vita di Aivazovsky comprende un gran numero di disegni realizzati in modo ampio e libero. Nell'ultimo periodo della sua attività creativa, quando Aivazovsky disegnava gli schizzi dei suoi viaggi, iniziò a disegnare liberamente, riproducendo con una linea tutte le curve della forma, sfiorando spesso a malapena la carta con una matita morbida. I suoi disegni, avendo perso il loro precedente rigore grafico e nitidezza, acquisirono nuove qualità pittoriche. Quando il metodo creativo di Aivazovsky si è cristallizzato e si è accumulata una vasta esperienza e abilità creative, si è verificato un notevole cambiamento nel lavoro dell'artista, che ha influenzato i suoi disegni preparatori. Ora crea uno schizzo del lavoro futuro dalla sua immaginazione e non da un disegno naturale, come faceva nel primo periodo della creatività. Non sempre, ovviamente, Aivazovsky si è subito accontentato della soluzione trovata nello schizzo. Esistono tre versioni dello schizzo per il suo ultimo dipinto "Esplosione della nave". Ha cercato la migliore soluzione compositiva anche nel formato del disegno: due disegni sono stati realizzati in un rettangolo orizzontale e uno in verticale. Tutti e tre sono realizzati con un tratto superficiale, trasmettendo lo schema della composizione. Tali disegni, per così dire, illustrano le parole di Aivazovsky relative al metodo del suo lavoro: “Dopo aver abbozzato con una matita su un pezzo di carta il piano dell'immagine che ho concepito, mi sono messo al lavoro e, per così dire, do me stesso ad esso con tutto il mio cuore” [ ; ]. 21
Per le opere grafiche, Aivazovsky ha utilizzato una varietà di materiali e tecniche. Gli anni Sessanta comprendono una serie di acquerelli finemente dipinti realizzati in un colore: seppia. Usando solitamente un leggero riempimento del cielo con vernice altamente diluita, delineando a malapena le nuvole, toccando leggermente l'acqua, Aivazovsky ampiamente, in un tono scuro, pavimentò il primo piano, dipinse le montagne sullo sfondo e dipinse una barca o una nave sull'acqua in un profondo tono seppia. Con mezzi così semplici, a volte trasmetteva tutto il fascino di una luminosa giornata di sole sul mare, il rotolamento di un'onda trasparente sulla riva, lo splendore di nuvole leggere sulla distanza del mare profondo. In termini di altezza di abilità e sottigliezza dello stato di natura trasmesso, tale seppia di Aivazovsky va ben oltre la solita idea di schizzi ad acquerello. Nel 1860, Aivazovsky dipinse questo tipo di bella seppia4 "Il mare dopo la tempesta". Apparentemente, Aivazovsky era soddisfatto di questo acquerello5, poiché lo ha inviato in regalo a P.M. Tret'jakov. Aivazovsky ha ampiamente utilizzato la carta patinata, disegnando su cui ha raggiunto l'abilità del virtuoso. Questi disegni includono "The Tempest", creato nel 1855. Il disegno è stato realizzato su carta, colorato nella parte superiore di rosa caldo, e nella parte inferiore di grigio acciaio. Con vari metodi per graffiare lo strato di gesso colorato, Aivazovsky ha veicolato bene la schiuma sulle creste dell'onda e il bagliore sull'acqua. un'idea del suo lavoro e del suo peculiare metodo di lavoro. La grafica di Aivazovsky arricchisce ed espande il nostro solito 4Sepia - (dal greco. seppia - seppia), 1) vernice marrone chiaro dal sacchetto di inchiostro di un mollusco marino (seppia). Usato da artisti europei dal ser. 18mo secolo quando si disegna con penna e pennello. Nel 20° secolo sostituiti da coloranti artificiali come gli acquerelli. 5Acquerello (parola francese - aquarelle, parola italiana - acquerello, parola latina - aqua - acqua), vernici diluite con acqua, così come dipingere con queste vernici. 22
Conclusione Il mare... Nessuno ha rappresentato la sua sconfinata distanza e le sue albe luminose, la stregoneria delle notti illuminate dalla luna e la formidabile furia delle tempeste in modo poetico e ispirato come Aivazovsky. Nella mente di generazioni, è stato e rimane un incomparabile cantante del mare, un artista assolutamente unico. “Il mare è la mia vita”, disse il maestro. Il lavoro di Aivazovsky esprimeva non solo la propria anima, i suoi sentimenti, i suoi stati d'animo, ma anche l'amore eterno dell'uomo per l'elemento acqua sconfinato. Appassionato di deificazione, l'amore dell'artista per il mare, la capacità di trasmettere in modo sorprendentemente vivido il suo respiro e la sua eccitazione: questa è la fonte di ciò a volte incomprensibile, ma forza attrattiva, che possiedono i dipinti di Aivazovsky. Ma questo, ovviamente, non si limita alla loro dignità. La cosa principale nell'arte del grande pittore marino è l'abilità straordinaria. Gli ha permesso di risolvere qualsiasi compito pittorico con sorprendente facilità, di ottenere uno speciale suono cromatico nella trasmissione del gioco vivace dell'elemento acqua fredda e aspra o dell'atmosfera calda e instabile di gigantesche masse d'aria confinanti con l'acqua riscaldata dal sole. Naturalmente, per tangibilità, ha raffigurato miriadi di schizzi sollevati da un forte vento e fondali marini trasparenti. Il successo senza precedenti del giovane artista in Italia, Francia, Olanda, Inghilterra negli anni '40 dell'Ottocento non fu casuale: questo successo era dovuto alla profonda emotività, alla spiritualità romantica della sua arte. Eugene Delacroix, il capo della pittura romantica francese, parlò di Aivazovsky con grande rispetto e il famoso pittore marino inglese William Turner gli dedicò poesie e lo definì un genio. Nei nostri giorni tesi e ansiosi, quando la Terra - culla dell'uomo - non sembra più un paradiso senza nuvole e la cultura genuina ha urgente bisogno di protezione, l'arte di uno degli originali cantori di bellezza, il grande umanista, si riempie di nuove significato e significato 23
Ivan (Hovhannes) Aivazovsky. Aivazovsky si è guadagnato fama mondiale come rappresentante dell'arte russa. Dal 1840, più di 120 delle sue mostre personali si sono tenute nelle città d'Europa e d'America, che hanno avuto un enorme successo. L'arte russa stava diventando ampiamente conosciuta e il ruolo di Aivazovsky qui è davvero inestimabile. Occupando un posto molto speciale nell'arte del 19° secolo, lui, armeno di nascita, era e rimane uno degli artisti russi più popolari. Riferimenti 1 Aivazovsky Ivan Konstantinovich. - M., 1965; 2 Dolgopolov I. Maestri e capolavori. - M., 1987; 3 Ionina N.I. "Cento grandi immagini" - Veche, 2002; 4 Enciclopedia dell'arte popolare. - M., 1986. 5 Aivazovsky / Capolavori della pittura russa n. 2, 2010 6 Risorse Internet: http://aivazovsky.narod.ru/ http://ru.wikipedia.org/ 24
Appendice 25
Allegato 1 26
Montagne di ghiaccio in Antartide Appendice 2 27
Ai Il lavoro è stato svolto da Markelova I.I. MOU-SOSH con. Il ginocchio del distretto di Ekaterinovsky Contenuto Letteratura e arte del XIX secolo. Romanticismo Pushkin - "l'animale domestico delle muse pure" A.S. Pushkin e I.K. Aivazovsky. "L'ardente poeta del mare" L'eredità del grande pittore marino (fr. romantisme) è un fenomeno della cultura europea dei secoli XVIII-XIX. Il Romanticismo sostituisce l'Età dell'Illuminismo. È caratterizzato dall'affermazione del valore intrinseco della vita spirituale e creativa dell'individuo, dall'immagine di passioni e caratteri forti (spesso ribelli), dalla natura spiritualizzata e curativa. Nel 18° secolo, tutto ciò che era strano, fantastico, pittoresco ed esistente nei libri, e non nella realtà, era chiamato romantico. All'inizio del XIX secolo, il romanticismo divenne la designazione di una nuova direzione, opposta al classicismo e all'Illuminismo. A. Tiranov. Ritratto di I. Aivazovsky 1841 Galleria Tretyakov V. Tropinin. Ritratto di A.S.Pushkin 1827 Museo statale Pushkin, San Pietroburgo Mar Nero L'addio di Pushkin al Mar Nero La conoscenza di Pushkin lasciò un'impressione indelebile sul giovane Aivazovsky. "Da allora, il poeta che già amavo è diventato il soggetto dei miei pensieri, ispirazione e lunghe conversazioni, storie su di lui", ha ricordato l'artista. Aivazovsky ha adorato per tutta la vita il talento del più grande poeta russo, dedicandogli un intero ciclo di dipinti più tardi, negli anni '80 dell'Ottocento. In essi univa la poesia del mare con l'immagine del poeta. Insieme a I. Repin nel 1877, Aivazovsky creò il famoso dipinto "L'addio al mare di Pushkin. Esattamente dieci anni dopo, nell'anno del cinquantesimo anniversario della morte di A. S. Pushkin, nel 1887 Aivazovsky dipinse il dipinto "Pushkin sul Mar Nero". E anche il terzo appello al tema "Pushkin and the Sea" si svolge ad Aivazovsky, esattamente dieci anni dopo (tre anni prima della sua morte) nel 1897. Chiama l'immagine allo stesso modo: "Pushkin sul Mar Nero". Ha anche un secondo nome: "Addio, elemento libero ...". La quartina di Pushkin è scritta direttamente sulla tela. Non è simbolico scrivere "Addio" all'elemento libero tre anni prima della morte. L'artista, per così dire, ha detto addio al mare stesso! Nelle vesti di un poeta nella foto, Aivazovsky disegna senza dubbio i suoi lineamenti giovanili. Signore del mare Ritratto di I.K. Aivazovsky di SA Rymarenko (1846) C'è un'opinione secondo cui il poeta e l'artista erano in qualche modo simili. Aivazovsky ha scritto circa 6 mila dipinti, disegni e schizzi. Tra questi, i più famosi sono: "The Ninth Wave" (1850), "The Black Sea" (1881) - ricreando la grandezza e la potenza dell'elemento marino, l'immagine delle battaglie navali - "The Battle of Navarra", " La battaglia di Chesme” (entrambi - 1848), una serie di dipinti “Difesa di Sebastopoli” (1859). MARINISMO. (Marina italiana, dal lat. marinus - mare) - un'opera pittorica o grafica raffigurante una vista sul mare, una scena di una battaglia navale o altri eventi che si svolgono in mare. Gli artisti che raffigurano il mare sono chiamati ARTISTI MARINI "Il mare è un poeta infuocato" "Il mare è la mia vita", ha detto Aivazovsky. Il suo lavoro è una specie di enciclopedia marina. Da esso puoi conoscere in dettaglio qualsiasi stato in cui l'acqua l'elemento è: e calma, e leggera eccitazione, e una tempesta, e una tempesta che dà l'impressione di una catastrofe universale - qui puoi vederlo, questo elemento, a qualsiasi ora del giorno - dalle albe luminose alle magiche notti di luna - e in qualsiasi momento dell'anno contano dozzine di sfumature che colorano le onde del mare - dal trasparente, quasi incolore a tutte le sfumature immaginabili di blu, blu, azzurro fino al nero profondo. I porti turistici notturni di Aivazovsky sono unici. "Notte al chiaro di luna sul mare", "Moonrise" - questo tema attraversa tutto il lavoro di Aivazovsky. La luna, circondata da nuvole chiare e trasparenti o scrutando attraverso le nuvole strappate dal vento, sapeva come rappresentare con precisione illusoria.Le immagini della natura notturna di Aivazovsky sono una delle più poetico x immagini della natura nella pittura. Spesso evocano associazioni poetiche e musicali. Barca a vela al largo della costa della Crimea in una notte di luna. 1858 Tempesta sul mare 1880 Il viaggio di Poseidone per mare. 1894. Mar Nero 1881. Tra le sue migliori creazioni c'è il dipinto "Mar Nero", scritto nel 1881. I. N. Kramskoy ha scritto di lei: "Non c'è niente nella foto tranne il cielo e l'acqua, ma l'acqua è un oceano infinito, non tempestoso, ma ondeggiante, severo, infinito e il cielo, se possibile, ancora più infinito. Questo è uno dei dipinti più grandiosi che io conosca". The Ninth Wave 1850. "The Ninth Wave" è una tipica opposizione romantica tra "Man" ed "Elements". Quest'ultimo è terribile con il suo potere irragionevole, ma allo stesso tempo è bello. I temi del mare occuparono i pittori del XIX secolo. Raffigurando la vita più intima del cuore umano, i suoi sentimenti ribelli e gli impulsi appassionati, i romantici cercavano anche nella natura immagini grandiose in cui l'intensa emotività dell'eroe romantico potesse trovare una risposta. Il mare in tempesta è diventato uno dei motivi preferiti del paesaggio romantico. Aivazovsky è innegabilmente la figura centrale e il più grande maestro del paesaggio marino nell'arte russa del XIX secolo.
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Letteratura e arte del XIX secolo. Romanticismo Pushkin - "l'animale domestico delle muse pure" A.S. Pushkin e I.K. Aivazovsky. "L'ardente poeta del mare" Eredità del grande pittore marino
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(fr. romantisme) - un fenomeno della cultura europea nei secoli XVIII-XIX. Il Romanticismo sostituisce l'Età dell'Illuminismo. È caratterizzato dall'affermazione del valore intrinseco della vita spirituale e creativa dell'individuo, dall'immagine di passioni e caratteri forti (spesso ribelli), dalla natura spiritualizzata e curativa. Nel 18° secolo, tutto ciò che era strano, fantastico, pittoresco ed esistente nei libri, e non nella realtà, era chiamato romantico. All'inizio del XIX secolo, il romanticismo divenne la designazione di una nuova direzione, opposta al classicismo e all'Illuminismo. Romanticismo Libertà assoluta della creatività artistica
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A. Tiranov. Ritratto di I. Aivazovsky 1841 Galleria TretyakovV. Tropinina. Ritratto di AS Pushkin 1827 Museo Statale Pushkin, San Pietroburgo
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Pushkin all'addio di Pushkin dalla costa del Mar Nero Dal Mar Nero La conoscenza di Pushkin ha lasciato un'impressione indelebile sul giovane Aivazovsky. "Da allora, il poeta che già amavo è diventato il soggetto dei miei pensieri, ispirazione e lunghe conversazioni, storie su di lui", ha ricordato l'artista. Aivazovsky ha adorato per tutta la vita il talento del più grande poeta russo, dedicandogli un intero ciclo di dipinti più tardi, negli anni '80 dell'Ottocento. In essi univa la poesia del mare con l'immagine del poeta.
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Insieme a I. Repin nel 1877, Aivazovsky creò il famoso dipinto "L'addio al mare di Pushkin. Esattamente dieci anni dopo, nell'anno del cinquantesimo anniversario della morte di A. S. Pushkin, nel 1887 Aivazovsky dipinse il dipinto "Pushkin sul Mar Nero". E anche il terzo appello al tema "Pushkin and the Sea" si svolge ad Aivazovsky, esattamente dieci anni dopo (tre anni prima della sua morte) nel 1897. Chiama l'immagine allo stesso modo: "Pushkin sul Mar Nero". Ha anche un secondo nome: "Addio, elemento libero ...". La quartina di Pushkin è scritta direttamente sulla tela. Non è simbolico scrivere "Addio" all'elemento libero tre anni prima della morte. L'artista, per così dire, ha detto addio al mare stesso! Nelle vesti di un poeta nella foto, Aivazovsky disegna senza dubbio i suoi lineamenti giovanili.
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Signore del mare Ritratto di I.K. Aivazovsky di SA Rymarenko (1846) Si ritiene che il poeta e l'artista fossero in qualche modo simili: Aivazovsky scrisse circa 6mila dipinti, disegni e schizzi. Tra questi, i più famosi sono: "The Ninth Wave" (1850), "The Black Sea" (1881) - ricreando la grandezza e la potenza dell'elemento marino, l'immagine delle battaglie navali - "The Battle of Navarra", " La battaglia di Chesme” (entrambi - 1848), una serie di dipinti “Difesa di Sebastopoli” (1859).
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MARINISMO. (Marina italiana, dal lat. marinus - mare) - un'opera pittorica o grafica raffigurante una vista sul mare, una scena di una battaglia navale o altri eventi che si svolgono in mare. Gli artisti che ritraggono il mare sono detti MARINISTI
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"Poeta del mare infuocato"
"Il mare è la mia vita", ha detto Aivazovsky. Il suo lavoro è una specie di enciclopedia marina. Da esso puoi conoscere in dettaglio qualsiasi stato in cui si trova l'elemento acqua: calma, eccitazione leggera, tempesta e tempesta che produce l'impressione di una catastrofe universale - qui lo puoi vedere, questo elemento, a qualsiasi ora del giorno - dalle albe radiose alle magiche notti di luna - e in qualsiasi momento dell'anno puoi contare decine di sfumature che colorano il mare onde - da trasparente, quasi incolore a tutte le sfumature immaginabili di blu, blu, azzurro a denso nero.
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I porti turistici notturni di Aivazovsky sono unici. "Notte al chiaro di luna sul mare", "Moonrise" - questo tema attraversa tutto il lavoro di Aivazovsky. Gli effetti del chiaro di luna, la luna stessa, circondata da nuvole chiare e trasparenti o che scrutava attraverso le nuvole strappate dal vento, è stato in grado di rappresentare con precisione illusoria. Le immagini della natura notturna di Aivazovsky sono una delle immagini più poetiche della natura nella pittura. Spesso evocano associazioni poetiche e musicali. marine notturne